Mostrando artículos por etiqueta: James Franco http://thecult.es Mon, 22 May 2017 15:30:46 +0000 Joomla! - Open Source Content Management es-es Crítica: "Alien: Covenant" (Ridley Scott, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-alien-covenant-ridley-scott-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-alien-covenant-ridley-scott-2017.html Crítica:

La saga Alien nos fascina, eso es indiscutible. Proporciona, en dosis parecidas, terror, aventuras espaciales y reflexión filosófica, y encima lo consigue con una estética inimitable. Sólo por eso ‒háganme caso‒ merece la pena dejarse llevar por el nuevo episodio de la franquicia, Alien: Covenant.

Antes de entrar en la sala de cine, cualquier seguidor del universo Alien se hará las mismas preguntas. ¿Revivirá esta película los buenos momentos que nos brindaron Alien: el octavo pasajero y Aliens: el regreso? ¿Buscará la originalidad, como las fallidas Alien 3 y Alien: Resurrección? ¿O quizá complicará innecesariamente su trama, como sucedía en Prometheus?

Responder a esas dudas me parece sencillo. Alien: Covenant es superior a Prometheus y demuestra que Ridley Scott desea retornar a los orígenes. Su brillantez formal está a la misma altura que el nivel interpretativo del reparto, pero no creo que se pueda decir lo mismo del guión, correcto y con indudables aciertos, pero un tanto irregular, y acaso insuficiente para colmar el grado de exigencia que reclaman los que aún siguen tomando como modelo el film de 1979.

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Prefiero no adelantar detalles sobre el argumento. Les dejaré sólo un par de apuntes. En este caso, es una astronave colonial la que sigue la pista que conduce al planeta donde los aliens afilan sus fauces (aquí el señuelo es un mensaje musical: el tema "Take Me Home, Country Roads", de John Denver).

Por otro lado, descubrimos más ‒mucho más‒ sobre el androide David (Michael Fassbender), empezando por el refinado entorno donde, gracias a su creador, Peter Weyland (Guy Pearce), comienza su vida cibernética.

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El escenario se nos presenta al comienzo del film: un salón blanco, minimalista, donde distinguimos tres obras de arte que tienen mucho que ver con la naturaleza de David, la silla-trono art nouveau diseñada por Carlo Bugatti; la Natividad (1470-1485), de Piero della Francesca; y una de las piezas emblemáticas de la ópera de Wagner El oro del Rin, "La entrada de los dioses al Valhalla".

Son tres claves estéticas que, por diferentes vías, explican la psicología de David. Y además lo consiguen con gran sutileza, sin necesidad de que ese patrón simbólico resulte incómodo o pedante para el espectador.

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Imagen superior: clip distribuido en la red por 20th Century Fox, con el prólogo que conecta la acción de "Alien: Covenant" con el final de "Prometheus". Estas escenas no aparecen en la versión cinematográfica.

En parte, el guión es de John Logan (Gladiator, Hugo), y tengo la impresión de que algunos hallazgos del relato son suyos. Con todo, este es un film donde Ridley Scott aplica su sabiduría y su estilo. Me refiero a esa exuberancia que cultivó cuando era publicista y que luego, tras rodar Los duelistas, enriqueció con un esteticismo pictórico que llevó al extremo en Blade Runner, en Legend o en la propia Alien.

Esta vez, la puesta en escena de Scott oscila entre lo claustrofóbico, lo vibrante y lo tenebrista. El viejo maestro imprime una energía y una elegancia a ciertas secuencias que para sí quisieran algunos jovenzuelos de la industria. Ya ha cumplido 79 años, pero al igual que George Miller (72 años) y Clint Eastwood (87), pertenece al linaje de los realizadores que se niegan felizmente al retiro.

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Dentro del reparto, hay que hacer un punto y aparte para elogiar las interpretaciones de Katherine Waterson, de Billy Cudrup y de un inmenso Fassbender, capaz de expresar con una simple mirada todas las inquietantes cualidades de los dos personajes a quienes da vida.

Como ya dije antes, Alien: Covenant no es una película perfecta. Hay tramos en su desarrollo que resultan un tanto fríos o previsibles, y que carecen del alma que tuvo el primer Alien. No obstante, gracias al ímpetu de los actores, a la suntuosa dirección artística y al magisterio de Ridley Scott como realizador, el listón queda a una altura muy elevada.

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Me parece significativo que se recuperen fragmentos de la inolvidable banda sonora que Jerry Goldsmith escribió para el Alien original. Y también es notable el juego de espejos que algunas escenas parecen plantear entre los seres sintéticos del film (David / Walter) y los replicantes de Blade Runner. Esta similitud entre los androides de ambos universos conlleva todo un repertorio de planteamientos filosóficos sobre la mortalidad y la inmortalidad, la inteligencia artificial y la génesis de nuevas formas de vida.

Gracias a esa profundidad, Alien: Covenant sobrepasa las fronteras del thriller y nos invita a penetrar en un territorio intrigante y provocador.

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Imagen superior: un nuevo prólogo de "Alien: Covenant", en el que se presenta a los protagonistas. Este clip no figura en el montaje exhibido en cines y no adelanta detalles de la trama.

Sinopsis

En el espacio nadie puede oírte gritar. Después de casi cuatro décadas, aquellas palabras siguen siendo sinónimas de la intensidad implacable e ilimitada de la obra maestra de terror futurista, original de Ridley Scott, Alien, el octavo pasajero. Ahora, el padre de la emblemática franquicia regresa una vez más al mundo que él creó, para explorar sus rincones más oscuros con Alien: Covenant, una nueva y palpitante aventura que amplía las fronteras del terror no apto para menores.

Ambientada diez años después de los acontecimientos recogidos en el éxito de Scott Prometheus (2012), Alien: Covenant vuelve a las raíces de la revolucionaria saga del director con un relato singularmente aterrador, lleno de aventuras de extraordinaria tensión y nuevas criaturas monstruosas. Con ésta, la sexta entrega de la exitosísima serie, el visionario director se acerca cada vez más a la revelación de los misteriosos orígenes del padre de todos los aliens: el letal Xenomorfo de la película original.

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Desde el principio, Ridley Scott buscaba sangre. “Creo que la primera línea argumental de Ridley era: ‘Vamos a realizar una dura película no apta para menores, y vamos a necesitar mucho clarete’, que es un término para referirse a la sangre cinematográfica”, recuerda el productor de Alien: Covenant, Mark Huffam. “Ésa fue la primera conversación: vamos a matar a todos de miedo”.

Si alguien sabe cómo aterrorizar al público con un estilo narrativo inteligente y sofisticado, ése es Scott. Su original Alien, el octavo pasajero sigue siendo un portaestandarte del género de terror, una película psicológicamente tensa, incómoda y claustrofóbica, tan espectral y eficaz como la bestia pulcra y viciosa que por primera vez acosó a Ellen Ripley y a la tripulación de la nave estelar Nostromo en 1979. “De una forma, digamos extraña, yo siempre pensé en Alien, el octavo pasajero como en una película de la serie B bien hecha”, dice Scott. “El trasfondo era muy básico: siete personas encerradas en la vieja y siniestra casa, y quién va a morir antes y quién va a sobrevivir”.

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Para Alien: Covenant, el realizador candidato el Oscar® buscó recuperar el mismo ambiente de premonición de un peligro y terror constantes, a la vez que también ofrecía nuevos datos que añadieran riqueza y profundidad a la más amplia mitología de Alien. Ese enfoque era necesario, dice, para conservar una narración fresca y sorprendente. “Uno no puede ser continuamente perseguido por un monstruo en un pasillo; acaba siendo aburrido”, dice Scott. “Se me ocurrió que nadie había hecho la pregunta de quién hizo esto y por qué. Uno puede decir que monstruos, dioses o ingenieros del espacio exterior lo inventaron. Pues no lo hicieron. Alien: Covenant le va a dar la vuelta a ese concepto”.

Alien: Covenant fue rodada en 74 días en los platós de Fox Studios Australia y en exteriores del Estrecho de Milford (Nueva Zelanda) en 2016. Scott encargó al diseñador de producción Chris Seagers hacer realidad su idea de la nave que aparece en el título.

“Las naves son siempre difíciles”, añade Scott. “La Covenant es parecida a un barco de pioneros, como las viejas “goletas de la pradera” (que así llamaba a las carretas en el Oeste). No se trata de una nave sucia, sino de una nave de pioneros en misión científica, que transporta personas y equipo para colonizar otro planeta. Lógicamente, se asemeja a un tren de carga: está dividido en tres secciones dotadas de uniones hexagonales, que son enormes garajes. Cada sección se separaría, en una sola ocasión, aterrizaría sobre unos pilares y ya tendríamos un enorme almacén con todo su equipo”.

“Mencioné a Ridley que las plataformas petrolíferas son casi como naves espaciales”, dice Seagers (Marea negra, Cuatro fantásticos). “Desde el exterior parecen grandes latas de zinc, pero dentro están llenas de tecnología y no necesitan forzosamente tripulación. Están automatizadas. Es lo mismo que la tecnología espacial. Todo gira en torno a la orientación y la navegación, y eso le gustó. Así que empezamos a sacar muchas referencia de ese mundo industrial”.

Las escenas rodadas en el exterior del planeta lo fueron en el Estrecho de Milford y en platós de Fox Studios, con los decorados iluminados para imitar la fantasmagórica belleza de los exteriores naturales. “Nos inspiramos en el tiempo atmosférico real del Estrecho de Milford”, dice el fotógrafo Dariusz Wolski, frecuente colaborador de Scott. “Tiene una luz muy nebulosa y suave. En ocasiones el sol lo atraviesa pero, básicamente, consta de nubes dramáticas, de montañas que aparecen y desaparecen en las nubes. Siempre está lloviznando. Lo repetimos en el plató de exteriores. Insistimos en que todo fuera gris y nuboso, como un amanecer o un ocaso constantes”.

Para las escenas de interiores de la ciudad abandonada, Scott buscó captar una apariencia propia de pintores del siglo XVIII para algunas habitaciones, en las que la suave luz debería dar la sensación de provenir de velas. Wolski y el departamento de cámaras concibieron un sistema inteligente y eficaz para iluminar a los actores.

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Para Alien: Covenant, el supervisor de efectos visuales Charley Henley contrató a algunas de las principales compañías de VFX (efectos visuales especiales) del mundo, incluida Animal Logic, con sede en Sidney; MPC (Moving Picture Company) del Reino Unido, y Framestore, de Montreal (Canadá). Uno de los retos a los que se enfrentó el departamento de efectos visuales fue el número de lugares de rodaje que era necesario construir o mejorar, y que iban desde ambientes espaciales y del exterior del planeta, hasta la ciudad abandonada donde reside David y los interiores de la misma.

“Por ejemplo, la ‘Sala de las Cabezas’, donde se desarrollan varias escenas clave, fue un fantástico decorado construido con varias cabezas enormes, pero debido al espacio del plató y la complejidad de construir esos elementos físicos, nos correspondía a nosotros extender la parte superior de las cabezas hasta el techo”, dice Henley. “Con todo, intentamos no pasarnos de rosca. Si estábamos haciendo una toma creada por ordenador –por ejemplo–, nos aseguramos de que la cámara informática estuviera captando algo que pudiera realizarse en el mundo real con cámaras de verdad”.

Henley, cuya relación profesional con Scott se remonta al año 2000 con Gladiator, afirma estar constantemente impresionado por el enfoque práctico del director. “Una de las cosas asombrosas de trabajar con él es que él realiza sus propios guiones gráficos”, afirma Henley. “Son fantásticos, extraordinariamente precisos; uno puede ver la representación del guión como si estuviera mirando a través de la cámara. Incluso en los carteles se percibe también el sentido de la iluminación”.

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También fue Scott el que concibió la necesidad del Neomorfo, que realiza su sobrecogedor debut en Alien: Covenant, como la más reciente forma vital mortífera junto a los huevos alienígenas –el Rompe-Pechos y el Abrazacaras– y, naturalmente, el Xenomorfo adulto. Al invocar al alienígena, el director empleó como referencia tanto el desenfrenadamente innovador trabajo del difunto surrealista suizo H.R. Giger, cuyo genio se hallaba detrás del terroríficamente original Xenomorfo de Alien, el octavo pasajero, como maravillas del mundo natural como el misterioso tiburón duende, una rara especie de depredador de aguas profundas con piel translúcida y mandíbula con bisagras.

“Diseñar el Neomorfo resultó duro”, afirma Scott. “Era un enorme reto que surgió porque yo tenía que tener algo además del sospechoso habitual. Yo no quería desgastarlo, sino salvarlo. El Neomorfo, en cierta forma, es la primera generación de un alienígena, pero necesita una forma de vida humana a la que capturar y, si se le antoja, relacionarse y copular con ella”.

Trabajando sobre la base de las ilustraciones de Scott sobre la apariencia y el movimiento del Neomorfo, el supervisor de diseño de criaturas, Conor O’Sullivan, y su equipo, se pusieron a colaborar con Henley y el departamento de efectos visuales en el diseño. Henley lo explica: “El material de Conor y su equipo parecía fantástico: criaturas prácticas con auténtica sangre y verdadera funcionalidad. Nosotros, generalmente, sólo nos ocupamos de las mejoras. Cuando había mucho movimiento de criaturas, podíamos crear movimiento muscular y la libertad de moverlos de una forma que no pudiera realizarse prácticamente. Fue una asociación para aportar, en conjunto, cuanto realismo fuera posible”.

Copyright del artículo © Guzmán Urrero. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © 20th Century Fox, Scott Free Productions. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Guzmán Urrero) Critica de cine Wed, 10 May 2017 20:46:24 +0000
Crítica: "¿Tenía que ser él?" (John Hamburg, 2016) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-tenia-que-ser-el-john-hamburg-2016.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-tenia-que-ser-el-john-hamburg-2016.html Crítica:

Recuerden el esquema clásico que se estableció con El padre de la novia (1950), de Vincente Minnelli, y que tuvo su mejor vuelta de tuerca en Adivina quién viene esta noche (1967), de Stanley Kramer. Bien... Ahora, introduzcan en esa vieja receta el delirio procaz y malhablado al que nos han acostumbrado tipos como Jason Mewes ‒el eterno colega de Kevin Smith‒, y entonces se podrán hacer una idea de lo que nos brinda ¿Tenía que ser él?

En realidad, a la hora de hablar sobre una película como ésta, se plantean dos niveles de análisis: el que corresponde a sus valores de producción y el que mide su eficacia a la hora de satisfacer a su público objetivo.

Si nos ceñimos a lo primero, está claro que esta comedia tiene un acabado solvente. Cuenta con un reparto bien equilibrado, que encabezan James Franco y Bryan Cranston, plenamente entregados en sus papeles del padre tradicional y del novio majareta de su hija. Los secundarios, en especial Megan Mullally y Keegan-Michael Key, también se hacen con la función desde el primer momento.

El director, John Hamburg, es un veterano de este género, consagrado como guionista de títulos como Los padres de ella (2000) y Zoolander (2001). Y para rematar la oferta, la acción se anima con un buen puñado de cameos. Sólo adelantaré la presencia de Elon Musk, probablemente la figura más renovadora en la industria tecnológica de los últimos veinte años.

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Mencionar a Musk viene muy al caso, porque los personajes de Franco y de Cranston encarnan dos estereotipos de la revolución digital. El primero es un triunfador de Silicon Valley, un joven millonario, o si lo prefieren, un hipster sin modales ni educación, para quien la palabra espontaneidad se queda demasiado corta. En cambio, el segundo es el veterano dueño de una imprenta, cuyo mundo se viene abajo ante la competencia de las startups tecnológicas.

Aunque la película no va más allá ni pretende reflexionar sobre este cambio de época que se nos ha venido encima, casi intimida ese abismo que, a un nivel cultural y profesional, se abre entre ambos protagonistas (y acaso entre los propios espectadores que asistirán a la proyección).

A modo de curiosidad, tiene su gracia que el propio James Franco sea hijo de un empresario de Silicon Valley, un microcosmos que empieza a ser explotado por el cine y la televisión con la debida energía.

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Les hablaba más arriba del público objetivo de este film, y es aquí donde conviene advertir al lector. Por supuesto, ¿Tenía que ser él? se dirige a espectadores con sentido del humor, pero no precisamente a los que prefieren comedias de corte clásico, con réplicas elegantes y lenguaje sofisticado.

Hamburg y sus guionistas, Jonah Hill e Ian Helfer, no engañan a nadie, y nos ofrecen una gamberrada con la mirada puesta en la generación youtuber y en el público de la nueva hornada, seguidor de cineastas en la línea de Evan Goldberg y habituado a la comedia en vivo (más en concreto, a los monólogos más rijosos de Chris Rock, Jim Jefferies o Louis CK.)

Insisto: no es ésta una cinta pensada para los nostálgicos de la alta comedia, sino para todos aquellos que disfrutan con el humor punk, heredero de las rutinas más atrevidas de cómicos como los citados. Y es seguramente esa vinculación con los nuevos relatos de la stand-up comedy lo que también define las flaquezas de esta película: episódica y deshilvanada, como si la sucesión de gags y anécdotas no fraguase ‒ni necesitase hacerlo‒ en una continuidad sólida.

Tampoco el romance de la pareja que motiva la trama tiene mayor trascendencia, y en general, acaba dándose por supuesto. Imagino que no era esa la intención de John Hamburg, así que nadie ‒incluido quien esto escribe‒ debería sentirse frustrado por ello. Es lo que tienen las modas en la comedia: o las tomas o las dejas. Y el componente generacional es básico para entender, y sobre todo, para disfrutar una producción como ésta.

Pese a la candidez de su tema de fondo, ¿Tenía que ser él? vende algo opuesto al humor blanco. Y aunque eso parezca una contradicción, estoy seguro de que sus creadores saben lo que les pide su audiencia.

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Sinopsis

Durante las vacaciones, Ned Fleming (Bryan Cranston), un cariñoso pero sobreprotector padre, viaja a California para visitar a su hija en Stanford, donde conoce a su mayor pesadilla: su millonario novio de Silicon Valley, Laird Mayhew (James Franco), un hombre que tiene buenas intenciones pero que se comporta de manera extraña en sociedad. Ned piensa que Laird, que no tiene ningún filtro en absoluto, no es la pareja ideal de la niña de sus ojos. Ned, un puritano hombre del Medio Oeste de Estados Unidos, que se encuentra cada vez más fuera de lugar en el glamuroso mundo de tecnología punta de Laird, ve cómo se intensifica su pánico cuando se entera de que Laird está a punto de hacer la pregunta.

Como padre, Cranston se podía ver reflejado en la lucha de Ned y en su reticencia a dejarlo pasar. Ned es un buen hombre motivado por un profundo compromiso con su hija, y Laird simplemente el potencial yerno que tenía en mente. "Como padre, es complicado ver cómo crece tu hijo y se convierte en un adulto", explica. "Has sido responsable de ellos durante toda su vida y se supone que tienes dejar voluntariamente que se vayan de casa y vivan su vida".

El tenso conflicto entre Ned y Laird —el conservadurismo de una pequeña ciudad contra el exceso de "todo vale" de Silicon Valley— forma la columna vertebral de la historia. "Todo el espectáculo trata en realidad de estos dos hombres y su terquedad sobre cómo actuar con el otro para conseguir el favor de la hija", dice Cranston. "Ned Fleming y Laird Mayhew son diferentes en todos los sentidos: el nivel de estudios, dónde se criaron, quiénes les criaron, los principios por los que fueron criados... todo. La forma en la que viven, su gusto por la música, su generación, todo en ellos es lo contrario al otro. Lógicamente, van a existir roces porque simplemente no tienen nada que ver el uno con el otro".

Eso no quiere decir que las intenciones de Laird no sean buenas. En realidad, es increíblemente dulce y pensativo, y está muy enamorado de Stephanie. Pero después de una vida dedicada a escribir código y a diseñar aplicaciones —y una inclinación natural a ser completamente honesto en todo momento—, Laird no tiene mucha idea de cómo comportarse en un lugar y cómo modular apropiadamente su comportamiento. Él siempre hace todas las cosas mal por todas las razones correctas, y sus malogrados intentos para ganarse a Ned sólo logran empujarlo aún más lejos. "Soy un poco desaliñado y grosero, tengo muchos tatuajes y uso un lenguaje vulgar, así que soy todo lo que el personaje de Bryan Cranston no querría en un yerno", afirma Franco.

Trabajando con el coguionista Ian Helfer (La hija de mi mejor amigo), el director John Hamburg diseñó un guión hilarante y conmovedor, que capta perfectamente a los complicados padres que tienen que presenciar cómo sus hijos se crean sus propias vidas y relaciones. "Para mí, no hay nada más gracioso que la torpeza de la vida real", dice Hamburg, que ideó grandes situaciones del mundo real para que nos riéramos con películas anteriores como Te quiero, tío y Los padres de ella. "Como escritor de comedia, vas por la vida pensando: ¿y si ésta fuera una escena para una película? Cada día está repleto de montones de momentos de torpeza, tensión y falta de comunicación, y esos son los momentos que me gusta incluir en las películas. Ésta es una historia de una familia normal que entra en un mundo poco normal, pero un mundo anclado a la realidad".

Copyright del artículo © Guzmán Urrero. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Twentieth Century Fox, Red Hour Films, 21 Laps Entertainment, TSG Entertainment. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Guzmán Urrero) Critica de cine Thu, 05 Jan 2017 23:19:36 +0000
Crítica: "The Interview" (Seth Rogen y Evan Goldberg, 2014) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-the-interview-seth-rogen-y-evan-goldberg-2014.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-the-interview-seth-rogen-y-evan-goldberg-2014.html Crítica:

Kim Jong-un es uno de los dictadores más famosos del planeta. ¿Es el idiota cruel, endiosado y malcriado que la prensa nos quiere hacer creer? Posiblemente no, posiblemente sea todavía peor.

Una de las razones para sospechar que ese merluzo tiene un ego tan grande como su barriga ha sido su reacción ante la existencia de esta comedieta, cuya trama orbita alrededor de su oronda figura.

Dicha reacción, por otro lado, será la que haga que esta cinta pase a la posteridad. Hablamos del ataque de hackers a las órdenes de Corea del Norte contra Sony Pictures, distribuidora de The Interview. Curiosamente, este hecho ‒ajeno a la propia calidad del film‒ es bastante más elocuente que la película en sí.

The Interview nos narra las desventuras de un sufrido productor (Seth Rogen, también coguionista y codirector del invento junto a Evan Goldberg) y un atolondrado presentador de un exitoso programa de actualidad rosa (James Franco). Ambos deciden llevar a cabo una entrevista en directo a Kim Jong-un, aprovechando que el Líder Supremo es fan de ese show.

La CIA, viendo una oportunidad de oro, encarga a la pareja el asesinato del dictador, con cómicos resultados.

 

Hay quien le ha reído la gracia hacker a Corea del Norte, considerando que los precios de los productos de Sony son algo más grave que los campos de concentración de Kim Jong-un, y es que la desinformación en estos tiempos, sumada a una equívoca idea del anti-imperialismo ‒que en realidad es más bien un contra-imperialismo‒ provoca reacciones de lo más absurdo y triste.

Algo de eso hay en el guión de The Interview, donde el dictador se revela como un inteligente maestro de la manipulación mediática (el Kim Jong-un cinematográfico es menos pánfilo que el real). Pero es una lástima que las buenas ideas de la película no estén mejor explotadas y desarrolladas, quizá por miedo, no tanto al dictador, sino a un público potencial que es joven y alérgico a la sustancia.

En The Interview hay un montón de gags, tantos que casi saturan. Algunos tienen auténtica gracia, otros estropean momentos con potencial (la entrevista del título), pero casi todos se basan en el humor MTV, la escatología y el gore. Esto, en sí, tampoco es algo negativo (ahí tenemos magníficas comedias cafres como las de los hermanos Farrelli o Ben Stiller), pero en este caso es lamentable que Corea del Norte, un lugar tan tragicómico, sea prácticamente dado de lado en la película, y en su lugar nos ofrezcan un cúmulo de chistes escabrosos y pueriles.

Se agradece que existan cómicos que enfaden a escoria del calibre de Kim Jong-un o el Estado Islámico, pero no nos engañemos, The Interview es simplemente una comedia gamberra que habría podido ser magistral en manos del John Landis de los buenos tiempos, pero que, a la vista del resultado final, se puede colocar en el mismo estante que Resacón en Las Vegas.

No es El Gran Dictador, claro está, pero tampoco es más osada que Team America, aquella salvajada de marionetas en las que el padre del actual dictador también recibía lo suyo, con menos revuelo.

Sinopsis

En la comedia de acción The Interview, Aaron Rapaport (Seth Rogen) es el productor ejecutivo de uno de los programas de televisión con mayor audiencia, "Skylark Tonight", un programa sensacionalista sobre cotilleos de famosos, que le ha aportado no sólo el éxito profesional sino también una duradera amistad con su presentador Dave Skylark (James Franco).

Su dedicación a ventilar los secretos de los famosos y destapar los trapos sucios de Hollywood ha dejado a Aaron con grandes cifras de audiencia por un lado, pero también con una profunda crisis profesional por el otro, cuestionándose su propia alma periodística. Cuando Dave descubre que el hermético líder norcoreano Kim Jong-un, es un gran fan de su programa, Rapaport consigue que este les conceda una entrevista exclusiva en directo que podría relanzar sus carreras. Mientras Aaron y Dave hacen sus preparativos para viajar a Pyongyang, son contactados por la CIA. Sus planes sufren modificaciones ya que la agencia de inteligencia ha tomado la descabellada decisión de fichar a estos absurdos "agentes" para llevar a cabo la inimaginable e improbable tarea de eliminar al líder norcoreano.

"Desde hace mucho tiempo se ha utilizado la comedia para mostrar lo absurdas que pueden ser las peores cosas del mundo. Tiene una larga tradición", explica Seth Rogen, quien protagoniza, codirige y escribe al alimón el argumento de The Interview, en la que él y James Franco intentan eliminar a un ficticio Kim Jong-un. "The Interview forma parte de esa tradición. Con frecuencia ocurre que cuando algo está muy mal, acaba dando paso al absurdo, y así se vuelve gracioso. A veces la única forma de hacer que la gente reflexione sobre cosas horribles es envolverlas en un paquete con apariencia divertida y hacerlas digeribles".

"Está película trata en parte de Corea del Norte pero también del poder, de la extraña y fascinante convergencia entre el poder de una celebridad y el poder político", dice James Franco que vuelve a coprotagonizar una película junto a Rogen. "Y al ser una comedia, puede resultar más escandalosa. Espero que la reacción sea como la de todas las comedias hilarantes: que sea divertida, pero que al mismo tiempo genere comentarios sobre lo que está ocurriendo hoy en día".

Los realizadores buscaron cierto grado de verosimilitud al emplear el nombre real en la película. El camino de la comedia a menudo atraviesa diferentes etapas, y el guionista Dan Sterling admite que al principio tuvo un enfoque más convencional. "Originalmente visualicé la película con un dictador completamente imaginario", dice. Sterling, cuyos créditos incluyen "Las noticias de Jon Stewart" y "Sarah Silverman", también colaboró en el argumento con Rogen y Goldberg. Pero después, dice Sterling, tuvieron la idea de probar con un Kim Jong-un ficticio. "Pensamos, ¿por qué no intentarlo y ver qué pasa? Inmediatamente supimos que sería mucho más interesante, provocativa y divertida".

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Point Grey Pictures, Lstar Capital, Columbia Pictures. Cortesía de Sony Pictures Releasing de España. Reservados todos los derechos.

 

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Thu, 05 Feb 2015 23:41:26 +0000
Crítica de "Oz un mundo de fantasía" (2013) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-de-oz-un-mundo-de-fantasia-2013.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-de-oz-un-mundo-de-fantasia-2013.html Crítica de

Yo no sé qué habría pasado si Oz un mundo de fantasía (Oz the Great and Powerful) no hubiera sido dirigida por Sam Raimi. Gracias a él, la película se eleva por encima de otras cintas recientes inspiradas en la literatura infantil. Con unos efectos visuales de primer nivel y una imponente escenografía, la cinta se consolida como un film idóneo para los más pequeños de la casa.

Oz se inspira en el repertorio de personajes ideado por L. Frank Baum dentro del ciclo de novelas y relatos que éste inauguró en 1900 con El Mago de Oz (The Wonderful Wizard of Oz). Dicha inspiración se hace aún más evidente si comparamos el vestuario y las caracterizaciones del film con las viejas ilustraciones de W.W. Denslow, el dibujante del libro original. Por otro lado, la película está llena de guiños a otros libros de Baum. Por ejemplo, las burbujas en las que viajan los protagonistas están tomadas de El camino de Oz (The Road to Oz, 1909), la quinta entrega de la serie.

Desde el primer acto, ambientado en una feria ambulante de fines del XIX, la película conserva el sentido de la maravilla. En lugar de dirigirse a todo tipo de público, su orientación es claramente infantil, y eso repercute en su favor. A no ser que los videojuegos le hayan arrebatado la capacidad de sorpresa, cualquier crío de entre seis y diez años debería sentirse feliz durante la proyección de Oz.

Raimi pone su sello en cada escena, y tanto los movimientos de cámara como los ramalazos de humor llevan su firma.

Si me dijeran que eligiese una virtud de la película, me quedaría con las interpretaciones, lo cual es mucho decir en un film cuya mayor baza es la exuberancia digital.

James Franco convierte al prestidigitador Oscar Diggs en un personaje encantador. La bellísima Mila Kunis se transforma de forma creíble en la bruja Theodora. Michelle Williams convierte a Glinda en una hechicera oportunamente bondadosa y acaramelada. Y Rachel Weisz se dedica a robar planos en la piel de Evanora, la tercera bruja en discordia.

Casi sobra añadirlo: reconocer a Ted Raimi y a Bruce Campbell es un plus para los seguidores de Sam Raimi. De hecho, si eliminásemos los elementos característicos del mundo de Oz –empezando por los sortilegios y el kitsch– e introdujésemos humor adulto, esta aventura no sería muy distinta de El Ejército de las Tinieblas (Army of Darkness).

Con una partitura al viejo estilo, el músico Danny Elfman subraya el aire retro de la película: una apoteosis de encantamientos, monos voladores y escenarios multicolores.

Sinopsis

L. Frank Baum escribió 14 novelas entre 1900-1920, todas ambientadas en la Tierra de Oz, que el autor describió vívidamente. Pero en ninguno de sus libros trazó la historia del personaje del mago. Para el productor Joe Roth eso era fascinante. “Adoro las historias sobre el origen de los personajes, y me fascinaba la idea de explorar cómo el mago había llegado a convertirse en quien era”, declara Roth. “De manera que me pareció una idea genial volver sobre los libros de Baum e investigar y recrear su historia personal”.

L. Frank Baum escribió una serie de aventuras con numerosos personajes que tienen lugar en Oz”, declara el productor Grant Curtis: “Creo que la belleza de lo que hizo originalmente Mitchell Kapner, junto con el productor Joe Roth y el productor ejecutivo Palak Patel, resultó de tomar algunas de las aventuras de las novelas y reunirlas en una historia concisa que retrata cómo Oz llegó a convertirse en el gran mago”.

El imaginativo guión de Mitchell Kapner y David Lindsay-Abaire cuenta la historia de Oscar Diggs, un mago de circo de poca monta con un dudoso sentido de la ética, que es arrojado desde la polvorienta Kansas hacia la apasionante Tierra de Oz, está convencido de haberse sacado la lotería – la fama y la fortuna parecen eternas. Pero pronto conoce a tres brujas, Theodora (Mila Kunis), Evanora (Rachel Weisz) y Glinda (Michelle Williams), que no están tan seguras de que él sea el gran mago que todos estaban esperando. A regañadientes, Oscar deberá enfrentarse con los problemas épicos que le presentan la Tierra de Oz y sus habitantes, y tendrá que descubrir quiénes están de su lado y quiénes son sus enemigos antes de que sea demasiado tarde. Con sus conocimientos del arte de la magia, que incluyen ilusión, ingenuidad y un poco de hechicería, Oscar se transformará no sólo en el gran Mago de Oz sino también en un hombre mejor.

“La historia comienza con un artista de circo embaucador que queda atrapado en un tornado en su globo aerostático y aterriza en este mágico mundo de Oz”, refiere el guionista Mitchell Kapner sobre la historia original inspirada en las novelas del autor L. Frank Baum. “Como su nombre es Oz, su llegada coincide con una profecía que establece que un nuevo y gran líder está por llegar. En Oz, la Malvada Bruja se ha apoderado de la Tierra, y sus habitantes de inmediato ven en este desconocido al gran mago que están esperando. Se postran delante de este mero mortal con sólo ver su nombre inscrito en el costado del globo”.

“Este es un hombre que se abre camino a través del engaño porque no posee verdaderos poderes mágicos como las brujas, que le permitan convertirse en su líder y reconquistar Ciudad Esmeralda del poder de la Malvada Bruja”, resume el guionista sobre la historia

Copyright del artículo © Guzmán Urrero. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Guzmán Urrero) Critica de cine Thu, 07 Mar 2013 22:22:05 +0000
“Oz the Great and Powerful” (Sam Raimi, 2013) http://thecult.es/critica-de-cine/oz-the-great-and-powerful-sam-raimi-2013.html http://thecult.es/critica-de-cine/oz-the-great-and-powerful-sam-raimi-2013.html

Sam Raimi, el director de “Oz the Great and Powerful”

Protagonizada por James Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz y Michelle Williams, Oz the Great and Powerful es la nueva aventura de fantasía del director Sam Raimi.

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correo@thecult.es (The Cult (Thesauro Cultural)) Critica de cine Fri, 20 Jan 2012 22:27:05 +0000
"Caballeros, princesas y otras bestias" ("Your Highness", 2011) http://thecult.es/critica-de-cine/caballeros-princesas-y-otras-bestias-your-highness-2011.html http://thecult.es/critica-de-cine/caballeros-princesas-y-otras-bestias-your-highness-2011.html

Caballeros, princesas y otras bestias

Las aventuras de espada y brujería han parecido tener un tímido resurgimiento tras el éxito de la trilogía El Señor de los Anillos. La parodia y la sátira de este subgénero es la base de este film, titulado originalmente Your Highness, dirigido por el especialista en cine cannábico David Gordon Green.

Se ha hablado de esta comedia como la respuesta gamberra del director de Superfumados (Pinapple Express, 2008) al clásico cómico-romántico La Princesa Prometida (Rob Reiner, 1987). Curiosamente, las diferencias entre ambas películas no sólo están en el vasto e insondable abismo de calidad que las separa, ya que, si hablamos de risas, la cinta de Reiner también gana por goleada.

El humor inteligente es algo discutible. Tanto que, como dijo en una ocasión John Cleese, "resulta más fácil hacer humor inteligente que hacer reír".

En ocasiones, la grosería más descerebrada nos puede provocar carcajadas, siempre y cuando se haga con arte, honestidad y pericia cómica –pensemos en obras de los hermanos Farrelly como Vaya par de idiotas o Algo pasa con Mary–, y es mejor dejarse llevar por la siempre sana risa que inhibirnos para conservar el talante intelectual.

En otras ocasiones, la acumulación de chistes zafios resulta extremadamente forzada, algo que sucede en gran parte del metraje de Caballeros, princesas y otras bestias.

Hay que aclarar que este comentario se hace tras ver la versión doblada de la película, donde los actores de doblaje fuerzan el tono cómico, como queriendo indicar que la película es graciosa –algo similar al horrendo título español–, a lo que hay que añadir la adaptación chispeante de lo que, según suponemos, son múltiples juegos de palabras.

En todo caso, el film parece algo inseguro de su potencial cómico y recurre cada dos por tres al chiste de instituto sobre penes, porros y pedorretas, resultando repetitivo y previsible en sus gags, a lo que se añade un cantidad aceptable de gore digital al estilo Tropic Thunder, pero con menos ingenio.

Caballeros, princesas y otras bestias

En su favor debo decir que la película cuenta con un reparto estimable, aunque encabezado por un algo cargante Danny McBride, co-guionista del film. Entre los actores se encuentra un divertido y simpático James Franco, acompañado por la belleza angelical de Zoeey Deschanel y por Natalie Portman, más atractiva y pluriempleada que nunca en la época en la que se rodó la película.

Entre los grandes secundarios, destaca la presencia de Charles Dance, como rey y padre de los protagonistas, menos malévolo que el patriarca Tywin Lannister de Juego de Tronos, papel que le ha devuelto al candelero. Asimismo, sobresale el actor que quizá hace el papel más gracioso de la película, el singular Toby Jones, inolvidable cajero-pistolero en La niebla (Frank Darabont, 2007).

Curiosamente, Your Highness, aun siendo un film abiertamente cómico, resulta casi más interesante en su faceta fantástica, cuando recurre a elementos de la mitología clásica y el folklore tales como el laberinto del Minotauro, las Tres Madres o incluso el misterioso Pueblo Blanco del que tan buen provecho artístico sacó el escritor galés Arthur Machen.

Sinopsis

Las historias caballerescas siempre hablan de apuestos caballeros que rescatan a hermosas doncellas, matan dragones y vencen al mal. A menudo, detrás de estos grandes héroes hay un hermano pequeño que se esfuerza en no aparecer por ningún lado. Danny McBride y James Franco vuelven a encontrarse en el papel de dos príncipes en una atrevida misión para rescatar a la prometida del heredero al trono antes de que el reino de Mourne caiga en el caos.

Tadeo (Danny McBride) se ha pasado la vida a la sombra de Fabio (James Franco), su hermano mayor, sin participar en las aventuras épicas de este último con las que inspira al pueblo de Mourne. Pero cuando el malévolo mago Leezar (Justin Theroux) secuestra a Belladonna (Zooey Deschanel), la prometida de Fabio, para cumplir con una antigua profecía, el rey da un ultimátum al holgazán de su hijo menor: si no se comporta como un hombre y ayuda a su hermano a rescatarla, se acabó la buena vida.

A regañadientes y nada convencido, Tadeo se embarca en su primera aventura acompañando a Fabio hacia peligrosas tierras lejanas en busca del gran amor de su hermano. Se une a ellos la misteriosa Isabel (Natalie Portman), una princesa guerrera con una idea en la cabeza. Los dos hermanos deberán vencer a criaturas terribles y a caballeros traidores antes de llegar a Belladonna y salvarla de un destino peor que la muerte.

Siguen a los príncipes sus leales escuderos Courtney (Rasmus Hardiker) y Julie (Toby Jones) y el caballero Boremont (Damian Lewis). Tadeo y Fabio no tardarán en descubrir que no pueden fiarse de nadie y deberán armarse contra toda clase de traiciones.

Si Tadeo consigue encontrar al héroe que lleva dentro, se ganará el respeto de su hermano y de su padre, e impedirá la destrucción del reino. Pero si sigue holgazaneando, tendrá el privilegio de sentarse en la primera fila para ver el amanecer de la nueva Era de las Tinieblas.

 


 

Cómo se hizo

La idea de Caballeros, princesas y otras bestias nació mientras David McBride y David Gordon Green rodaban el segundo largo de este último, All the Real Girls, en 2001. Cuando los dos amigos, que se conocieron en la facultad de Artes de la Universidad de Carolina del Norte, estaban en el plató, intercambiaban ideas totalmente locas para películas que quizá harían algún día.

David Gordon Green recuerda: “Danny y yo estábamos trabajando en All the Real Girls, en Carolina del Norte. Siempre había pensado que con el proyecto adecuado, Danny podría ser muy gracioso. Empezó a lanzarme ideas, algunas realmente descabelladas, y surgió la de Danny como caballero medieval luchando contra dragones. Incluso se nos ocurrió el título esa misma noche. Luego, años después, Danny y Ben Best retomaron la idea. Estaba convencido de que Danny debía estar delante de la cámara porque es carismático, divertido, cae bien, puede decir los peores horrores y hacernos reír e incluso convencernos de que es adorable”.

El realizador reconoce que lleva mucho tiempo esperando esta película. “Caballeros, princesas y otras bestias representa al niño que era a los 11 años”, dice, riendo. “Esperaba a que todos estuvieran dormidos para ver películas guarras en la tele por cable. Las que más me gustaban eran las de espadas y brujos, con muchas tetas y violencia”.

Danny McBride reconoce que gran parte de su inspiración viene de su niñez. Con el guionista Ben Best decidieron contar la historia desde el punto de vista del que sale mal parado en las búsquedas épicas, el que menos se presta a ser un héroe: “Esta película nació de las historias con las que crecimos y que nos entusiasmaron, desde Conan, el bárbaro a El último guerrero, pasando por Krull y El dragón del lago de fuego, películas de acción y fantasía de aquella época. Queríamos hacer una película así, pero sin que fuera una copia mala”.

El actor y guionista da algunos detalles acerca del protagonista: “Lo único que motiva a Tadeo es la amenaza del destierro. Está acostumbrado a vivir en el lujo más absoluto, lo tiene todo, pero su padre ya no sabe qué hacer con él. Cuando la tragedia se abate sobre el reino y Fabio debe encauzar el desastre, el rey obliga a Tadeo a acompañarle con la esperanza de que una aventura le convierta en un príncipe decente”.

Ha transcurrido casi una década desde que David Gordon Green y Danny McBride se conocieron. Desde entonces, se han hecho famosos con varias películas. Siguieron dándole vueltas a la idea de hacer una película caballeresca.

Mientras tanto, Danny McBride llamó la atención del productor Scott Stuber después de su interpretación en la película The Foot Fist Way, que escribió con Ben Best y Jody Hill, otro amigo de la universidad. Cuando Superfumados, dirigida por David Gordon Green, se convirtió en un éxito de taquilla y de crítica, catapultando a Danny McBride a la fama, se atrevieron a sacar del cajón su viejo proyecto.

El productor Scott Stuber se interesó por la idea porque el director y el actor llevaban más de diez años puliendo la comedia. “Quedaba claro desde el principio que era hilarante y diferente de otras comedias, una mezcla de géneros, una parodia”, dice. “Sabíamos que el talento de Danny iba mucho más allá que el de un actor cómico; es un guionista de talento. Nos propuso el concepto de una comedia de acción y aventuras, lo desarrolló y lo convirtió en esta película descabellada, Caballeros, princesas y otras bestias.

El productor apreció que la comedia fuese un homenaje al género épico y fantástico de los ochenta, y que lanzase guiños a las películas de los Monthy Python. Pero lo que más le sorprendió fue descubrir una conmovedora trama secundaria en medio de la procacidad y la grosería. “Me gustó descubrir que Tadeo solo quiere ganarse el respeto de su hermano y de su padre. Lleva tiempo ahogándose y por fin tiene una oportunidad para demostrar de lo que es capaz apuntándose a una búsqueda épica. A pesar de protestar y repetir que no le apetece nada, se empieza a notar un destello de esperanza. Pocos directores son capaces de resaltar elementos tan dispares, pero sabíamos que David podía hacerlo”.

El productor, el actor y el director querían que Caballeros, princesas y otras bestias siguiera el estilo de las aventuras de fantasía más apabullantes y hablaron mucho de cómo crear una película caballeresca, con espadas, magos, príncipes, villanos crueles y doncellas en apuros. Decidieron que el mundo mítico estaría poblado por extrañas y maravillosas criaturas, y que lo realzarían con un par de números musicales.

Además, Danny McBride y David Gordon Green dieron otra vuelta de tuerca al género. El toque cómico nace a partir de la incorporación de un personaje principal nada habitual en este tipo de aventuras. También se inclinaron por convertir ciertos conceptos en anacronismos. Todo vale para añadir encanto a Caballeros, princesas y otras bestias, desde los insultos más actuales a la palabrería atemporal de un mago.

Tadeo, un príncipe cobarde y ególatra, es el último antihéroe de esta comedia para adultos, un personaje de época con tintes contemporáneos que vive en un mundo fantástico. Tadeo no se comporta como un príncipe, no se interesa por nada, ni siquiera por la suerte del reino. Es un vago, le gusta emborracharse, fumar maría con los enanos del entorno y acostarse con cuantas más mejor. Cree tener derecho a hacer todo lo anterior por su posición en la familia real.

No tiene ninguna intención de comportarse como hace el heredero de la corona, su heroico y noble hermano Fabio. Pero cuando el padre de Tadeo, harto de tanta holgazanería, amenaza con quitarle su posición de privilegio, el príncipe no tiene más remedio que unirse a Fabio y a los Caballeros de Élite para salvar a Belladonna si no quiere perderlo todo.

David Gordon Green explica por qué le atrajo la idea de dirigir una película inspirada en aventuras de fantasía: “Desde el punto de vista del director, he rodado una divertida película de aventuras que hará reír al público. Pero no está construida como una comedia típica, no sigue la estructura cómica. Queríamos hacer una película con criaturas tremendas, mucha acción, aventuras y romance. Y que la comedia naciese a partir de ahí, no al revés”.

David Gordon Green quería reunir a un reparto ideal para dar vida al guión de Danny McBride y Ben Best. Le interesaba encontrar intérpretes a los que el público estuviera acostumbrado a ver en papeles serios, sobre todo porque Danny McBride haría exactamente lo opuesto, dando pie a situaciones absurdas y llenas de humor. Por suerte, el realizador siempre deja la puerta abierta a la improvisación durante las pruebas de casting.

Los detalles y la autenticidad recibieron una atención especial. Asimismo, las escenas de acción fueron realizadas por grandes especialistas con el apoyo de los equipos de efectos especiales y efectos visuales. Durante el rodaje, los actores deberían enfrentarse a complicadas secuencias en las que volcarían coches de caballos con personajes volando por los aires.

La comicidad surgiría de forma espontánea a partir del momento en que Tadeo se diera cuenta de que no estaba hecho para este tipo de aventura… y arrastrara a todo el mundo en su caída. Danny McBride dice: “Las aventuras pueden ser mortales, incómodas, y eso no le gusta a Tadeo. No quiere meterse en una búsqueda en la que puede morir”.

A la hora de buscar al caballeresco (en otras palabras, perfecto) príncipe Fabio, los cineastas no dudaron un momento en proponérselo a James Franco. Danny McBride explica por qué: “Me lo pasé muy bien en el rodaje de Superfumados. Fue increíble trabajar con James. David y yo teníamos claro que necesitábamos a alguien que pudiera llevar las escenas hasta las últimas consecuencias. Es con lo que más disfrutamos: nos gusta interpretar lo que está escrito en el guión, pero también es genial cuando se nos ocurre algo divertido que no habíamos pensado antes mientras estamos rodando”.

David Gordon Green se alegró de que el otro protagonista de Superfumados estuviera dispuesto a participar. “Cuando James hace algo inesperado, todos se dan cuenta de que ha dado en el clavo”, dice el director. “Nos puso a prueba en la primera película para ver si teníamos el valor de seguirle, pero le hemos llevado al límite en ésta”.

James Franco estaba encantado de volver a colaborar con los dos amigos. “Me llevo muy bien con David y Danny”, dice. “El guión era muy divertido, pero sabiendo como funcionan, estaba convencido de que lo mejorarían aún más durante el rodaje. Tenemos una relación profesional que funciona”.

A pesar del desprecio evidente que Tadeo siente por su hermano al principio de la historia, Fabio está dispuesto a creer en él por mucho que se demuestre lo contrario. James Franco dice: “Tadeo es el hermano de Fabio y éste siempre está dispuesto a darle una segunda oportunidad, incluso una tercera y una cuarta si hace falta. Pero llega el momento en que Fabio depende de él y Tadeo cambia. No le queda más remedio que estar a la altura de las expectativas de su hermano mayor”.

El actor se sintió atraído por la idea de que el público pudiera reírse de la aventura de los príncipes, dado que Caballeros, princesas y otras bestias juega con el sentido figurado de las aventuras de fantasía. Tampoco le molestaba cantar en una película por primera vez. “En esta película se puede hacer mucho más que en otras del mismo género que se toman en serio”, dice. “Las escenas de acción, la mitología del reino, la forma en que Fabio expresa su amor a Belladonna, todo está hecho con humor. Por lo tanto, el público tiene la excusa perfecta para no tomarse nada en serio”.

Pero antes de que los dos hermanos, el valeroso y el pánfilo, se embarcaran en la búsqueda, los cineastas necesitaban encontrar a una atractiva guerrera, a un mago mentalmente inestable y a un par de sirvientes inadaptados.

Para el papel de Isabel, la preciosa y letal guerrera, David Gordon Green y Scott Stuber no dudaron nunca y se lo ofrecieron a Natalie Portman. “Cuando pensamos en quién sería la actriz idónea para encarnar la voluntad de hierro, la belleza y la dureza de Isabel, no tardamos nada en descubrir que Natalie era nuestra princesa guerrera”, recuerda el productor. “La actriz debía ser capaz de manejar un arma y soltar frases tronchantes sin inmutarse, lo que Natalie hizo con facilidad. Además, se le da bastante bien el tiro con arco”.

El director añade: “Fue realmente increíble. En la película interpreta un papel muy serio, pero dice cosas totalmente absurdas que nadie espera de Natalie. Hemos dejado de lado la imagen de chica adorable que sale en la portada de revistas de moda, para mostrar su lado más agresivo, siempre dispuesta a degollar a unos cuantos”.

Natalie Portman no dudó en aceptar el desafío: “Leí el guión. Era una película de aventuras, pero desternillante, una locura. Me gustó que hubieran pensado en mí porque no había hecho nada parecido. Es un personaje de mucho cuidado en una comedia de verdad, ¡vaya combinación!”

La actriz habla de su personaje en Caballeros, princesas y otras bestias: “El mago Leezar es el objetivo de la búsqueda de Isabel, que quiere vengar la muerte de sus hermanos, y se une a los príncipes que deben rescatar a la prometida de Fabio. Está totalmente dedicada a su búsqueda y se sabe capaz de vencer a cualquiera que se interponga en su camino. Sin embargo, cualquier ayuda es bienvenida, y los príncipes poseen herramientas secretas que no le importaría tener”.

Hablando de su amor en la gran pantalla, Danny McBride dice, riendo: “Hemos sido muy generosos ofreciendo un papel tan importante a Natalie. Isabel es una guerrera que también tiene una misión. Tadeo nunca ha visto a una mujer así. Está acostumbrado a las frágiles y temerosas mujeres de palacio, e Isabel no tiene nada que ver. Quiere que se fije en él, y para eso deberá ser honorable y noble, pero no es tan fácil como parece”.

En cuanto a la prometida de Fabio, el director y el guionista/actor querían a una actriz que encarnara al arquetipo de la joven e ingenua damisela que ha estado gran parte de su vida encerrada en una torre, pero capaz de sentirse cómoda en una comedia escabrosa y que cantase de maravilla, casi nada. Zooey Deschanel, que trabajó en All the Real Girls, con Danny McBride, era la intérprete ideal para dar vida a Belladonna.

El actor y guionista dice: “Cuando David sugirió a Zooey, me pareció evidente. Tiene un sentido genial de la oportunidad cómica que iba a encajar de maravilla con el personaje de Belladonna. Queríamos que fuese una doncella en apuros, pero también dejaríamos claro qué ocurre cuando no se interactúa con otros seres humanos. Zooey lo hace a la perfección. Es mucho más que despistada, simplemente no entiende cómo funciona el mundo. Es el equivalente a Daryl Hannah en 1, 2, 3… Splash. Zooey lo hizo a la perfección”.

La actriz habla de su reacción al trabajar en una película a la que describe como una versión cochina de La princesa prometida: “Ya había trabajado con David y con Danny, y estaba entusiasmada con la idea de repetir. Caballeros, princesas y otras bestias se diferencia de otras películas cómicas de época en la mezcla de autenticidad, comedia y lenguaje atrevido.

El captor de Belladonna, el malvado mago Leezar, es el enemigo jurado del rey de Mourne. Le criaron tres brujas, interpretadas por Matyelok Gibbs, Angela Pleasence y Anna Barry, para cumplir un macabro y retorcido destino según el contenido de una antigua profecía. Cuando las dos lunas se alineen, Leezar podrá fecundar a su esposa virgen con la simiente de un dragón y obtener poderes nunca vistos.

El papel del gran enemigo recayó en Justin Theroux. Nada más leer el guión supo que quería formar parte del mundo surrealista imaginado por Danny McBride y Ben Best. Le gustaba la idea de interpretar a un mago medieval “más o menos competente en artes mágicas”. “La película no sigue las reglas establecidas de la comedia”, dice. “Siempre me sorprende el estilo humorístico porque los chistes surgen en los momentos que menos espero”.

Los numerosos anacronismos de Caballeros, princesas y otras bestias gustaron al actor: “Los personajes se pasean por un mundo surrealista que hemos visto en numerosas películas, pero nunca hemos oído a la gente hablar de este modo ni enfrentarse a situaciones contemporáneas. Por eso es tan divertida”. Por ejemplo, cuando Leezar promete a sus secuaces que les suministrará “un cofre sin fondo repleto de drogas psicotrópicas” o cuando lanza la frase: “Por las dos lunas, ¡que aumente el tamaño de mi hombría!”

La película no se rodó con la intención de parodiar el género, por lo que actores ingleses de renombre se unieron al rodaje. El productor Scott Stuber, hablando de los papeles secundarios, dice: “Era evidente que necesitábamos actores británicos experimentados y jóvenes en auge. Me asombra que David pudiera convencerles de hacer lo que hicieron”.

El director, decidido a mantener un tono de autenticidad en toda la película, escogió al actor, director y guionista Charles Dance para encarnar al rey Talio, y al respetado intérprete Toby Jones para el papel de Julie, el escudero de Fabio. A este último le fascinó la visión de David Gordon Green, en la que dice reconocer elementos de El cristal oscuro y Krull. Describe al extraño Julie con estas palabras: “Es uno de los personajes más misteriosos con los que me he topado. Está un poco loco, es totalmente incompetente y en ocasiones, viscoso”.

En cuanto a la mano derecha de Fabio en el campo de batalla, el caballero Boremont, poseedor de una amenazadora garra de metal en vez de la mano que perdió en combate, los cineastas ofrecieron el papel al actor británico Damian Lewis. “Soy Boremont, el mejor amigo del príncipe Fabio”, dice. “Es un soberbio guerrero de pelo entrecano capaz de hacer cualquier cosa por Fabio. Lleva la garra de metal escondida en una funda en el antebrazo. Puede sacar una daga de 30 centímetros cuando haga falta”.

El escudero de Tadeo es Courtney, el eterno rival de Julie, que se encarga de satisfacer todos los caprichos del príncipe, desde masajearle los pies o limpiarle cuando se ha ensuciado. Aunque las meteduras de pata de Tadeo le ponen en apuros a menudo y lo pasa mal, es fiel a su vanidoso príncipe.

Rasmus Hardiker, un joven actor británico en ciernes, interpreta el papel. Vio con muy buenos ojos la oportunidad de trabajar con un director y un protagonista que fomentan la improvisación para alcanzar la perfección en la comedia: “Aporta más realismo, la escena es más cómica cuando uno tiene que actuar espontáneamente. Suele ser la misma reacción que se tendría en la vida real y tiene un efecto bola de nieve en la comedia”. También le gustó la visión del director, e incluso estaba más que dispuesto a dejarse bañar en brea y recubrir de plumas. “La estructura es la misma, pero basta con cambiar los ladrillos para que sea diferente”, dice.

 


 

El rodaje en Irlanda del Norte

Los cineastas estaban de acuerdo en que Caballeros, princesas y otras bestias solo podía rodarse en un país empapado de folclore, mitos y leyendas. Después de desplazarse a Irlanda del Norte para buscar las localizaciones, no dudaron de que era el lugar ideal al ver las montañas esmeraldas, los tupidos bosques y la agreste costa, que el director de fotografía Tim Orr se encargó de plasmar en la pantalla.

David Gordon Green, hablando de su decisión, dice: “Escogimos Belfast porque hay muy buenos profesionales, estudios enormes y un maravilloso paisaje natural que aportaría grandeza a la película. Nos ofrecieron muchos incentivos y fue muy agradable estar allí. Contratamos a gente en Londres, pero muchos técnicos eran de Belfast y estaban dispuestos a arremangarse, ensuciarse y sacarlo adelante”.

Ya se sabe que en la isla llueve habitualmente, y así ocurrió durante el verano que se rodó Caballeros, princesas y otras bestias. El realizador decidió adaptarse al tiempo, tanto si hacía sol como si llovía torrencialmente. Estaba dispuesto a utilizar “lo que el tiempo ofrecía”. De hecho, esta decisión realzó el diseñó de producción creado por Mark Tildesley. Bastaba con recorrer un radio de 70 kilómetros en cualquier dirección para rodar en enclaves absolutamente diferentes.

Los paisajes más majestuosos se rodaron durante el viaje que realizan nuestros héroes para salvar a Belladonna. La comitiva tiene como telón de fondo la espectacular costa de Antrim; las imponentes ruinas del castillo Dunluce, asentadas en una enorme roca basáltica, y la famosa Calzada del Gigante (Giant’s Causeway), declarada Patrimonio de la Humanidad.

La selva de Tollymore albergó numerosas escenas rodadas en el bosque. Durante dos días en los que brilló el sol, la propiedad de Castle Ward se transformó en el Reino de los Enanos. Una propiedad privada en Cairncastle hizo de telón de fondo para la despedida de Tadeo, Fabio y la Élite Caballeresca. Varias escenas se rodaron en el castillo Shane: las catacumbas en las que los hermanos principescos visitan al Gran Mago Sabio; la fiesta de los gnomos, en la que participa Tadeo antes de lanzarse a perseguir ovejas.

El Círculo de Marteetee se construyó en una propiedad privada a las afueras de Belfast. La enorme estructura de madera se erigió en medio de un claro para que Fabio se enfrente a Dastardly (Ben Wright) antes de que aparezca un misterioso caballero decidido a matar a Marteetee.

David Gordon Green, refiriéndose a la estructura, dice: “Es el decorado principal porque alberga una secuencia de acción muy importante que lanza la película”. Quince personas tardaron ocho semanas en construirlo, y otras cuatro semanas en decorarlo. Se necesitaron 150 árboles para levantar el anfiteatro de 850 metros cuadrados, que comprende un túnel de mimbre de 30 metros de largo para llevar a los prisioneros al centro de la arena. Se usaron unas 3.000 ramas de sauce para las jaulas de mimbre que albergaban a 120 extras apenas vestidos con taparrabos y biquinis.

La ciudad minera medieval de Muldiss Darton, donde se reúnen cada noche los buscadores de piedras preciosas para vender la mercancía, y por cuyas calles deambulan extrañas y maravillosas criaturas, fue recreada en el pueblo de Parkgate, a treinta minutos de Belfast, en una cantera que llevaba años abandonada. No fue fácil construir un decorado tan complejo, oscuro y misterioso. Algunos de los edificios de este decorado son una enorme noria, una iglesia de piedra y, claro está, The Horse’s Piss Inn (la posada del Meado de Caballo).

Mark Tildesley, colaborador habitual de Danny Boyle, se encargó de hacer realidad el mundo imaginado por Danny McBride y Ben Best en el guión. Hizo honor al desafío a pesar de reconocer que nada de lo que había hecho hasta la fecha le había preparado para el antro del malvado mago: “Una construcción de cristal basada en un pene de tortuga”.

Otros decorados se construyeron en The Paint Hall, un impresionante edificio de la histórica zona de Titanic Quarter, cerca de los muelles de Belfast, donde antes se pintaban los barcos (el Titanic entre otros). La empresa Northern Ireland Screen alquila la construcción para rodajes. Los decorados de Caballeros, princesas y otras bestias construidos en este plató fueron el patio y sala principal del castillo, donde vemos por primera vez al rey de Mourne, el laberinto del aterrador y desnudo Minotauro, y el observatorio y la mazmorra de Leezar.

El equipo de producción dispuso de un lugar sin igual, con techos de más de 24 metros de alto. El enorme plató donde se construyó el patio del castillo era lo suficientemente amplio como para albergar caballos, carros y mucho más.

Fueron contratados numerosos artesanos para construir los decorados, diseñar y fabricar el atrezo. Muchos no habían trabajado antes en una película, pero no tuvieron problema alguno en transferir sus conocimientos al nuevo medio. Para que cualquier detalle pareciera auténtico, los productores recurrieron a todo tipo de profesionales, como fabricantes de barcas de madera, de tambores, carpinteros, albañiles, sopladores de vidrio, joyeros, incluso un experto en comida que se encargó de diseñar los banquetes medievales, y un experto ganadero para guiar el ganado.

En cuanto a las escenas de acción, James Franco y los Caballeros tuvieron que someterse a un duro entrenamiento previo para aprender a montar a caballo, manejar la espada y otras armas, así como a bailar para las escenas de la boda. A menudo se ejercitaron con los especialistas que les doblarían en las escenas más complicadas.

Simon Crane, el director de la segunda unidad, explica cómo Danny McBride y James Franco consiguieron sobrevivir a la persecución: “Durante la secuencia en que los buenos son perseguidos por los malos a caballo, acabamos haciendo esquí acuático agarrados a la parte trasera del carro. Estuvo muy bien, pero no fue nada fácil. Aun así, James lo hizo de maravilla. Danny tenía que saltar desde el carro lanzado a toda velocidad a un caballo. Obviamente, lo rodamos por partes, pero tuvo que saltar del carro en marcha. No se inmutó, estaba muy gracioso”.

 


 

Los efectos visuales

Mike Elizalde, el eterno colaborador de Guillermo del Toro, y su premiada empresa de diseño de criaturas, Spectral Motion, se encargaron de crear los extraños seres que pueblan la película. Sabían que debían ir más allá de lo que se les había pedido hasta ahora, y Mike Elizalde reconoce con satisfacción que “esta película es una de las contadísimas ocasiones en las que se me ha dado absoluta libertad para crear muchas de las criaturas”.

En cuanto a su aspecto y comportamiento, dichas criaturas son divertidas y horrendas a la vez. Entre los diseños originales están los asquerosos Cíclopes y Simon, el cuervo mecánico de Fabio (un guiño a Bubo de Furia de titanes). El diseñador mecánico Larry Odien apadrinó a Simon, el travieso pájaro que sirve de mascota a Fabio. En palabras del experto fue como “construir un cubo Rubik desde cero”.

Mike Elizalde explica cómo se construyó el pájaro mecánico controlado por dos marionetistas que hace la vida imposible a Tadeo: “Dividimos el diseño original entre los elementos que debían moverse. El primer modelo se hizo con barro, del que sacamos un molde para poder obtener piezas al vacío de cada uno de los elementos, las alas, las partes del cuerpo, el pico, todo”.

El director David Gordon Green reconoce que su criatura favorita es el Minotauro desnudo: “Me pareció importante que el mundo de fantasía fuese realmente tangible. Aunque después usáramos efectos digitales para pulirlo, quería que dentro de lo posible todo pareciera ‘real’. El traje de Minotauro que los expertos de Spectral Motion crearon funcionó de maravilla. Es muy convincente como animal, monstruo y agresor sexual”. Y añade, sin parpadear: “Tengo la impresión de que si mis padres me castigaban de pequeño por ver este tipo de películas, es posible que vuelvan a castigarme por hacerlas”.

Brian Steele es el actor que se puso el traje de Minotauro. Mike Elizalde se quita el sombrero ante el intérprete por llevar el equivalente “de siete parkas en pleno verano”.

Para el personaje del Mago Sabio, Scott Stuber, Danny McBride y David Gordon Green le pidieron a Mike Elizalde que creara algo nunca visto antes, y así fue. El experto en criaturas explica: “Me pareció que podría ser gracioso si, cada vez que diese una calada a la pipa, tuviera un elemento que se llenase de humo antes de que lo expulsara por la boca y la nariz. Le colocamos una membrana tipo medusa encima de la cabeza, una idea que tuve por un dibujo de mi amigo Wayne Barlowe. Cambiamos la paleta de colores del Mago; en vez de ser color carne, es más bien violeta y tiene los ojos dorados”.

Larry Odien, Mike Elizalde y Mario Torres se encargaron de mover al Mago, que puede hacer temblar a los que van a él en busca de información. Danny McBride dice, riendo: “El Mago Sabio tiene algo que me trae recuerdos de la infancia, cuando veía a los seres humanos hablar con extrañas criaturas en las películas que tanto me gustaban. He intentado mezclar los dulces recuerdos infantiles con lo más asqueroso y vulgar. Son los mejores momentos”.

La respetada empresa alemana de efectos especiales Die Nefzers se unió al equipo, y la premiadísima Framestore de Londres se encargó de los efectos visuales en posproducción.

Mike McGee, de Framestore, habla de la mayor dificultad que tuvo su empresa: “El mayor problema fue el monstruo de Marteetee. Pensamos mucho en cómo podía ser la criatura y acabamos decidiéndonos por una serpiente de cinco cabezas. Y Danny dijo: ‘Sería genial que Marteetee pusiera la mano en el suelo y controlara a la serpiente como en un videojuego’”.

“Las cosas se complicaron”, sigue diciendo. “El reto estaba en meter a la enorme criatura en el anfiteatro y encontrar una forma de matarla. Debía ser un rodaje cámara en mano, con mucho movimiento, para comunicar la sensación de acción. Por lo tanto, hubo que separar a los actores de la criatura en todos los planos. Al no usar fondos verdes, se dibujó a mano alrededor de los actores para colocar a la criatura. Pero me parece una secuencia fantástica”.

Para que los extras entendieran a qué tipo de terrible monstruo iban a enfrentarse, se les enseñó dibujos de la horrenda Hidra de varias cabezas para que pudieran aterrorizarse de verdad. Tanto los actores como los extras ensayaron con una luz colgada de una caña para saber dónde mirar.

Ningún mago que se respeta vive en una torrecilla de nada. El antro de Leezar es un castillo de unos 60 metros de altura. Cuando las dos lunas se juntan y llega la hora de concebir al niño dragón, debía tener un aspecto atemorizador. Framestore creó una fortaleza y un tejado digital para que los buenos lucharan y vencieran al mal de una vez por todas.

Durante el rodaje se vistió a 600 extras con ropa de época. El departamento de vestuario se encargó de hacer cientos de trajes para los extras, desde estupendas galas, pasando por taparrabos y biquinis, hasta las extrañas y oscuras capas con capuchón de los habitantes de Muldiss Darton.

Eso sin contar el estilo propio de cada uno de los actores principales, desde las curiosas ideas de Tadeo, pasando por el llamativo traje que se pone Fabio para la búsqueda y los trajes de Isabel, la princesa guerrera, hasta las decorativas túnicas de Leezar y Belladonna, y los mantos rojos de las brujas.

Hazel Webb–Crozier, la diseñadora de vestuario, dice: “El guión no describía trajes modosos. Para que fuera divertido, había que poner toda la carne en el asador. La idea es medieval, pero también nos basamos en los años setenta y ochenta. Hay toques franceses, italianos. No podía quedarme a medias y me lancé”.

Los dos hermanos no debían vestir del mismo modo. La diseñadora dice: “Decidimos que la armadura de Tadeo sería un poco exagerada, digna de un príncipe que quiere llamar la atención. Por eso su armadura exagera sus rasgos masculinos, pero está impecable porque nunca ha vivido ninguna aventura. Sin embargo, la de su hermano está abollada, desgastada”.

Natalie Portman no lleva ningún tipo de piel animal, y la diseñadora buscó a una modista especializada en telas sintéticas: “Para Natalie escogimos ropa muy ceñida, muy sexy, que parece hecha de cuero, pero no lo es. Añadimos partes doradas e intentamos que el conjunto resultase lo más medieval posible”.

Belladonna se cambia de ropa varias veces y la diseñadora dio rienda suelta a su imaginación. Dado que Belladonna desconoce el mundo exterior, era perfectamente posible que se vistiera con la ropa que encuentra en el armario de las tres madres de Leezar. Pero compensa su falta de gusto cuando aparece con un precioso vestido amarillo y azul.

David Gordon Green, fiel a la inspiración de las películas de los ochenta, pidió al departamento de vestuario que la ropa de Leezar representara ese género, sin dejar de ser medieval. Inspirado en David Bowie, con plumas en el pelo, cuellos alzados y oro en sus trajes, era imposible que pasara desapercibido.

Para los habitantes y visitantes de Muldiss Darton, la diseñadora Hazel Webb–Crozier se basó en lugares muy originales… como la tienda de un taxidermista. Dice: “Si estudiamos la época medieval, la gente se vestía con lo que tenía a mano. Usaban pieles de animales para todo. Se comían la carne, se servían de la piel para taparse, para dormir, para cubrirse. Por eso decidimos usar pieles de animales, incluso cabezas, aportando otro toque al extraño mundo que David deseaba crear”.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Tue, 28 Jun 2011 20:40:23 +0000
"127 Horas" en Blu-ray, en DVD y en Copia Digital http://thecult.es/critica-de-cine/127-horas-en-blu-ray-en-dvd-y-en-copia-digital.html http://thecult.es/critica-de-cine/127-horas-en-blu-ray-en-dvd-y-en-copia-digital.html

127 horas

El 15 de junio se presentó 127 Horas, por primera vez, en un pack que incluye todos los formatos: Blu-ray, DVD y Copia Digital. Una nueva propuesta de Fox que permite disfrutar de la experiencia cinematográfica de calidad en cualquier soporte: desde los reproductores de Blu-ray y DVD, a las videoconsolas como Play Station 3, el ordenador o cualquier smartphone o tablet. ]]> correo@thecult.es (The Cult (Thesauro Cultural)) Critica de cine Fri, 10 Jun 2011 21:40:55 +0000 "El Origen del Planeta de los Simios" (Rupert Wyatt, 2011) http://thecult.es/critica-de-cine/el-origen-del-planeta-de-los-simios-rupert-wyatt-2011.html http://thecult.es/critica-de-cine/el-origen-del-planeta-de-los-simios-rupert-wyatt-2011.html

El origen del planeta de los simios

El Origen del Planeta de los Simios (Rise of the Planet of the Apes), que en principio iba a titularse Rise of the Apes, responde a esa fórmula llamada reboot o precuela, y que consiste en imaginar los orígenes de una determinada franquicia desde un punto de vista actualizado. Habrá quien no resista la tentación de comparar esta producción con El planeta de los simios (1968) y con la versión rodada en 2001 por Tim Burton, pero está claro que la excelente cinta de Rupert Wyatt tiene muchos puntos a su favor. ]]> correo@thecult.es (Guzmán Urrero) Critica de cine Sat, 06 Aug 2011 21:26:45 +0000 "Rise of the Planet of the Apes" (Rupert Wyatt, 2011) http://thecult.es/critica-de-cine/rise-of-the-planet-of-the-apes-rupert-wyatt-2011.html http://thecult.es/critica-de-cine/rise-of-the-planet-of-the-apes-rupert-wyatt-2011.html

Rise of the Apes

Rise of the Planet of the Apes (El Origen del Planeta de los Simios), que en principio iba a titularse Rise of the Apes, responde a esa fórmula llamada reboot o precuela, y que consiste en imaginar los orígenes de una determinada franquicia desde un punto de vista actualizado. Habrá quien no resista la tentación de comparar esta producción con El planeta de los simios (1968) y con la versión rodada en 2001 por Tim Burton, pero está claro que la cinta de Rupert Wyatt tiene muchos puntos a su favor.

El protagonista de esta superproducción es Will Rodman (James Franco), un científico de San Francisco que dedica sus esfuerzos a encontrar una cura para la enfermedad de Alzheimer. Por cercanía genética, realiza sus pruebas experimentales en chimpancés.

Sin esperarlo, uno de los sujetos sometidos al test, César (Andy Serkis), sorprende al investigador con una prodigiosa evolución en su inteligencia. Para proteger al chimpancé mutante, Rodman decide esconder a César en su propia casa.

Por desgracia, ese gesto conducirá a una batalla sin cuartel por la supremacía en el planeta, entablada entre simios y humanos.

Hasta aquí, los lectores ya habrán reconocido pequeños detalles extraídos de Huida del planeta de los simios (Escape from the Planet of the Apes, 1971) y de La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, 1972). Esa continuidad ha sido buscada por Wyatt, quien desea que El Origen del Planeta de los Simios forme parte de una mitología reconocida por miles de fans, como ha sucedido con el relanzamiento cinematográfico de Batman.

De hecho, como un guiño a los admiradores de la película de 1968, la nave espacial de aquella cinta hace su aparición en Rise of the Planet of the Apes.

Más allá de las peculiaridades técnicas del film –sobre las que volveré más adelante–, otro de sus méritos es el sólido reparto. Acompañan a James Franco y a Andy Serkys intérpretes como Freida Pinto, John Lithgow, Tom Felton, Brian Cox, David Hewlett y Chelah Horsdal.

El equipo de El Origen del Planeta de los Simios emprendió su rodaje en julio de 2010 en Vancouver, esa ciudad de la Columbia Británica donde, por razones fiscales y de equipamiento, se ha trasladado una parte de la producción hollywoodense. Otros escenarios incluyen San Francisco y el entorno de O'ahu, en Hawai.

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correo@thecult.es (Guzmán Urrero) Critica de cine Fri, 29 Apr 2011 11:18:00 +0000
"Spiderman 3" (Sam Raimi, 2007) http://thecult.es/critica-de-cine/spiderman-3-sam-raimi-2007.html http://thecult.es/critica-de-cine/spiderman-3-sam-raimi-2007.html

Spiderman3

Hay ocasiones en que los problemas de una franquicia emergen lentamente, como si el hastío fuera solapándose a la sorpresa inicial. Fue, por ejemplo, lo que sucedió con la saga de Superman, producida a partir de 1978 por Alexander e Ilya Salkind.

En otros casos, la mala fortuna de la cinta inaugural –tal es el caso de El Castigador (2004), de Jonathan Hensleigh– hace pensar en un difícil desarrollo posterior, o para ser más exactos, en una elaborada conspiración para eliminar al protagonista. Por último, y en mejor estado de ánimo, hallamos determinadas series que, mediante una conexión necesaria, siguen dando una impresión de frescura a medida que su relato avanza.

A esta última categoría, según todos los indicios, pertenece el Spiderman de Sam Raimi.

Habrá quien me acuse de fomentar el dejà vu, pero, créanme, no hay más que ver la constelación de villanos que reúne su tercera entrega para entender que el ciclo aún permite prolongaciones. Por supuesto, donde la lógica falla, aún irrumpe el bueno de Stan Lee, cuya criatura –una entre las muchas que perpetúan sus cómics– asumió el tópico superheroico desde una perspectiva novedosamente costumbrista. Una perspectiva que, por íntimas razones, es ahora bien cuidada por Raimi, ese director que nunca desmiente su condición de fan.

Ternura, ironía y sensación de que el negocio no marcha del todo bien: parece fácil descubrir tales sentimientos en los ojos de Tobey Maguire, quien no hace sino reiterar, con sano desconcierto, el cliché del tipo corriente que recibe un don sobrehumano. Obviamente, se trata de material conocido, y por ello la saga procura no desmentir sus referencias.

Tanto el público general como los entendidos quieren reconocer a Spidey, o dicho de otro modo: darle las gracias por haber vuelto sin sorpresas ni atajos voluntariosos.

A Raimi, por supuesto, no se le ocurre decir ni pío sobre ese enamoramiento; de ahí que sus películas traduzcan el espíritu del cómic con fidelidad, y parezcan impulsadas por la necesidad de plasmar una melodía que a muchos les suena.

De momento, y a ojos de los lectores más veteranos, Spiderman 3 se ofrece como un festín al que asisten viejos conocidos. Hoy como ayer, salen a escena Mary Jane Watson (Kirsten Dunst), el Hombre de Arena (Thomas Haden Church), Gwen Stacy (Bryce Dallas Howard) y Veneno (Topher Grace), por citar dos parejas de opuesta relación con el protagonista.

Lo sabemos: frente a cada una de sus némesis, la tierra se transforma en un valle de lágrimas para Peter Parker. Con todo, su gesto de desaliento deja paso a ese tipo de épicas ocurrencias –un resorte psicológico con su buena pizca de gracia– que lo convierten en el hijo predilecto del Universo Marvel.

Aun admitiendo la consanguinidad de Spiderman con otros héroes, lo cierto es que su vida cotidiana es harto más significativa y fascinante que la de sus colegas. Raimi ha sabido apropiarse de dicha premisa, y se atreve a exponerla con generosidad.

Lo mismo vale para los villanos. Por ejemplo, en manos de nuestro realizador, el Duende Verde adquiere una dimensión psicológica de la que carece en los cómics. A ello, además, contribuye el cuidado puesto por el actor James Franco a la hora de plasmar el conflicto interior de Harry Osborn, obsesionado con la muerte de su padre y heredero de su misma doblez moral.

Herencias, venganzas, recuerdos… Ya ven que la protohistoria del Hombre Araña cuenta mucho en todas estas decisiones. De hecho, como sabemos que algún lector se habrá perdido en este jardín de referencias, no está de más introducir un cierto orden que ayude a los recién llegados. Por consiguiente, volvamos atrás y retomemos el relato en sus orígenes… Precisamente en los muchos tebeos que siguieron al número 15 de la revista Amazing Fantasy, publicado en agosto de 1962.

Basta con volver a sus páginas para tener una idea cabal del personaje.

Sinopsis

Peter Parker (Tobey Maguire) ha conseguido finalmente equilibrar la balanza entre su devoción a Mary Jane (Kirsten Dunst) y sus deberes como superhéroe. Pero una tormenta se avecina en el horizonte.

Cuando su traje se transforma, convirtiéndose en negro y potenciando sus poderes, Peter también se ve cambiado. Bajo la influencia del traje, aparecen en Peter el orgullo y el exceso de confianza, y así comienza a dejar de lado a los que más se preocupan por él.

Aunque dos temibles villanos, Hombre de Arena (Thomas Haden Church) y Venom (Topher Grace), consiguen un poder sin parangón y sienten la sed de castigo, la mayor batalla de Peter se libra, no obstante, dentro de sí mismo.

Spider-Man tendrá que volver a descubrir la compasión que le convierte en lo que es: un héroe.

 



Cómo se hizo

En Spider-Man 3, de Columbia Pictures, regresa uno de los personajes favoritos de los aficionados al cine continuando una de las franquicias de mayor éxito de taquilla de la historia del cine. Juntas, Spider-Man y Spider-Man 2 han recaudado más de mil seiscientos millones de dólares en las taquillas de todo el mundo. Mientras se desentrañan las continuas aventuras de Peter Parker, Spider-Man 3 cierra algunos de los temas del personaje que comenzaron en las dos primeras películas. Sam Raimi, que ha dirigido las tres entregas de la franquicia de éxito dice, “El corazón de las películas de Spider-Man siempre ha sido la profundidad y la riqueza de los personajes y sus vidas interconectadas. El amor de Peter por Mary Jane Watson y su amistad con Harry Osborn siempre han sido las partes más ricas de nuestras historias”. “Al desarrollar esta tercera entrega nos preguntamos, ‘¿Qué es lo que todavía tiene que aprender este joven?’”, dice Raimi. “Lo ponemos en situaciones en las que se ve obligado a enfrentarse a su falta de carácter —obstáculos que, en historias previas, no hubiera sido capaz de superar. Así que, o es derrotado o crece para ser la persona heroica que es capaz de superar estos obstáculos. Cuanto más crece la profundidad de los personajes se convierten en seres humanos más ricos y pueden conseguir más cosas que en películas anteriores”.

“Al final de la segunda película, por primera vez, hay una razón para el optimismo en la vida de Peter”, dice el productor Avi Arad, que hasta hace poco era director de Marvel. “Ha conseguido a la chica —pero cuando ella dice, ‘Ve a por ellos, tigre’, sabes que es realista y quizá esté intranquila por cómo va a ser la vida. Lo que Sam quiere hacer es probar al héroe —y eso significa que Spider-Man 3 nos llevará a un lugar muy diferente en la vida de Peter, en la vida de Mary Jane, y en la vida de Harry".

En Spider-Man 3, Peter afronta el mayor desafío hasta el momento —y la mayor batalla de todas es la batalla contra sí mismo.

Cuando empieza la película, las cosas parecen ir yéndole tan bien a Peter que su éxito empieza a subírsele un poco a la cabeza...y cuando una sustancia negra se pega al zapato de Peter, las cosas dan un giro. La propia sustancia se pega al traje de Spider-Man, convirtiéndolo en negro y potenciando sus poderes, pero también saca el lado oscuro de la personalidad de Peter, y lucha por controlarlo.

“Queríamos explorar el lado más oscuro del personaje de Peter”, dice la productora Laura Ziskin. “Cuando su traje se convierte en negro, potencia y enfatiza características que estaban escondidas. En este caso, lo hace más fuerte y más rápido, pero también más orgulloso y agresivo".

“Nos preguntamos, '¿Qué es lo que todavía tiene que aprender este joven?’”, dice Raimi, “y lo colocamos en situaciones donde se ve obligado a enfrentarse a estas ausencias de carácter y crecer como persona para superar estos obstáculos y ser realmente un héroe".

“Cuando leí el guión estaba realmente emocionado por la dirección distinta en la que íbamos con Peter Parker y los otros personajes y argumentos”, dice Tobey Maguire, que vuelve en el papel de Peter Parker. “Estamos cubriendo un terreno nuevo aquí, con una toma nueva de la historia mientras mantenemos la continuidad de los personajes de las dos películas previas”.

Kirsten Dunst regresa en su papel como Mary Jane Watson en Spider-Man 3. “Creo que los fans adorarán esta película, porque nosotros adoramos esta película”, dice Dunst. “Significa mucho para todos nosotros, y realmente hemos trabajado duro para hacer cada escena lo mejor posible”.

James Franco también recupera su papel de Harry Osborn. “La historia de Harry viene del final de Spider-Man 2 cuando aprende la horrible verdad sobre su padre y su amigo—aunque no tiene toda la historia. Harry es un alma atormentada; toda su vida la vivió por su padre, y cuando se lo arrebatan, lo único que le queda en la vida es vengar la muerte de su padre".

Por supuesto, Spider-Man 3 también presenta las increíbles secuencias de acción que los fans de Spider-Man esperan. En esta película, Spider-Man se enfrenta a dos villanos clásicos: Hombre de Arena, que hace su primera aparición en el cuarto capítulo de El Increíble Spider-Man, y Venom, uno de los villanos más memorables del cómic.

“Los cómics de Marvel —y especialmente los de Spider-Man— siempre han tenido un buen puñado de villanos entre los que escoger”, anota Raimi. “Muchos grandes artistas y escritores de Marvel desarrollaron estos personajes. Fue una tarea muy fácil coger estos maravillosos cuentos e imágenes y desarrollar nuestra historia a partir de ellos".

Thomas Haden Church interpreta a Flint Marko, un hombre obsesionado con los errores de su pasado, que se ve atrapado en un experimento de física que va mal. Su ADN se fusiona con la arena... y se convierte en Hombre de Arena, un villano que puede cambiar de aspecto, de tamaño y de forma a su voluntad. “Lo considero un honor, en realidad”, dice Church, nominado al premio de la Academia por su papel en Sideways, sobre unirse a la franquicia. “Las películas de Spider-Man están en lo más alto del panteón de las películas de super héroes. Muchos son llamados, pocos escogidos, y yo estoy orgulloso de ser uno de los pocos".

“Flint Marko se convierte en Hombre de Arena cuando cae en un lugar de pruebas radioactivas donde están llevando a cabo una fusión molecular experimental y accidentalmente se fusiona con arena”, dice Church. “Como resultado, puede cambiar de forma y adaptarse al entorno. Puede medir lo que quiera. Puede formar puños gigantes de arena, martillos, una maza. Puede convertirse en un tornado de arena o tamizarse en la arena. Es más maligno y amenazador que cualquier otro villano”.

Topher Grace se une al reparto como Eddie Brock, un personaje parecido a Peter Parker en algunos modos, que se transforma en Venom —la archi némesis de Spider-Man. “Cuando estaba hablando de la película al principio, Sam me preguntó si sabía lo que significaba ‘archi némesis’. Pensé que significaba un gran villano, pero Sam apuntó que realmente significaba un villano que tiene los mismos poderes y habilidades que el héroe, pero los utiliza para el mal", dice Grace. "Sam ha llegado muy lejos para hacer a este personaje igual y opuesto a Spider-Man".

Grace continúa, “Eddie Brock, que se convierte en Venom, es muy parecido a Peter Parker. Ambos trabajan en el mismo sitio, ambos compiten por el mismo trabajo, y ambos tienen la misma mujer en sus vidas —la diferencia es que Eddie es muy inseguro. Dirías que Eddie es el chico que Peter hubiera sido si no hubiera tenido la buena suerte de tener a la Tía Mary y al Tío Ben para criarlo".

Una vez más poniendo el impulso y el balanceo a las telas de Spidey están las estrellas de los efectos especiales de Sony Pictures Imageworks. El equipo estuvo nominado al premio de la Academia por su trabajo en la primera película de Spider-Man y obtuvo el Oscar por su trabajo con los efectos visuales en Spider-Man 2. Continuando su trabajo en Spider-Man 3, el supervisor de efectos visuales Scott Stokdyk fue responsable de supervisar los esfuerzos de más de 200 animadores y artistas de Imageworks.

“Mi mayor desafío en Spider-Man 3 ha sido la necesidad de darle la vuelta a la moneda y responder a los cambios según venían”, dice Stokdyk. “Pasan muchas cosas en esta película —más personajes y más tramas. Sam trabaja muy duro para asegurarse de que todas las piezas encajan, y era nuestra responsabilidad responder en la ejecución de su visión”.

Laura Ziskin dice que como con las dos primeras películas, el público puede esperar que Spider-Man 3 tenga una historia convincente, personajes excepcionalmente bien dibujados con relaciones complejas, pero incluso mayor y mejor: “Tenemos más personajes nuevos, más villanos y más lucha para Peter Parker —quizá la mayor batalla de su vida”.

 



El retorno de viejos conocidos

“Al principio de Spider-Man 3, nos encontramos a Peter Parker casi donde lo dejamos al final de la segunda historia de Spider-Man”, dice el director Sam Raimi. “Está acostumbrándose a lo que significa ser un héroe y los sacrificios que tiene que hacer para hacer lo correcto. En cuanto a su relación con Mary Jane, ambos están más cerca de lo que nunca habían estado —ella ha aprendido que él es Spider-Man al final de la segunda película e intenta cumplir la promesa que hizo de compartir las responsabilidades de la posición de superhéroe de Peter". “Hemos visto a Peter, Mary Jane y Harry crecer durante el transcurso de las primeras dos películas, así que queríamos hacer algo que fuera sorprendente pero inevitable", añade Laura Ziskin. "Queríamos llevar a los personajes en un viaje que satisficiera al público y que sonara verosímil para los personajes". De vuelta para hacer este viaje están Tobey Maguire, Kirsten Dunst y James Franco. Peter se siente bastante bien —las cosas se están encarrilando en su vida como nunca antes", dice Maguire. "Finalmente se le reconoce como Spider-Man, como alguien que está ayudando a la comunidad, y tiene una gran relación con Mary Jane, que por su parte también está experimentando el éxito. Está empezando a sentir el tipo de confianza de convertirse en un hombre, mezclado con la atención llena de alabanzas que está empezando a recibir”.

Raimi anota, “A Peter nunca antes le había mirado la gente como alguien a quien admirar. Ciertamente, nunca había tenido a nadie que le animara. Esto tiene un efecto inesperado en Peter: despierta su ego orgulloso. Este es el principio de un movimiento hacia su lado oscuro en esta película”. Ese lado oscuro sale a relucir cuando entra en contacto con una sustancia negra que se adhiere al traje de Spider-Man de Peter. Cuando la sustancia convierte en negro su traje, descubre que tiene más fuerza y agilidad que nunca... pero también que la sustancia saca su orgullo y su sed de venganza. En el clímax, Peter tiene que dejar de lado su ego. Debe dejar de lado su deseo de venganza", continúa Raimi. “Tiene que aprender que todos somos pecadores y que nadie puede pasar por encima de los demás. En esta historia debe aprender a perdonar".

Maguire estaba emocionado por volver otra vez al papel de Peter Parker. “Siempre quieres explorar nuevos terrenos y esta era una oportunidad de hacerlo con personajes familiares”, anota. “Lo fresco es una continuidad directa —viene de Spider-Man y Spider-Man 2. Como actor, es realmente emocionante —hay mucho con lo que jugar”.

“Siempre estábamos buscando formas de quitar la máscara, para que pudieras ver por lo que está pasando Peter", dice Maguire. "Cuando veo una película, me involucro con los personajes y me preocupo por ellos. Tengo que conectar con ellos para poder sentir lo que sienten”.

El cambio de comportamiento de Peter empieza a pasar factura en su relación con Mary Jane. “Mary Jane se siente muy segura con su carrera, aunque todavía hay inseguridad por culpa de la familia con la que se crió", explica Dunst. "Pero cuando pierde su trabajo justo cuando se está alabando a Spider-Man, Peter no está allí con ella como le hubiera gustado. Se le está apartando un poco y su relación se empieza a deshacer”.

“Peter y M.J. luchan con cosas con las que todo el mundo trata en una relación", añade Ziskin. "Ambos están tratando de asimilarlo, pero no están en sincronía con dónde se encuentran en sus vidas —se están perdiendo el uno al otro en un momento bastante crítico".

“Ahora que Tobey y yo hemos trabajado en tres películas juntos, nos conocemos muy bien”, dice Dunst. “Sé qué botones apretar con él, y él sabe cuáles apretar conmigo. Esto redunda en una relación más complicada, más adulta, que es genial para la película. Todo lo que sentimos el uno por el otro está en la película. Nuestra relación ha madurado”.

Tras haber mostrado su talento vocal en películas como The Cat´s Meow, Dunst disfrutó de la oportunidad de cantar en pantalla otra vez. "Me divertí haciendo las escenas de canto", dice. "Había pre grabado la canción —estaba aterrorizada por cantar en directo— pero mi primer día de trabajo fue bajar las escaleras del escenario de Broadway para ‘Manhattan Memories’ con tacones altos y un vestido y luego bailar al fondo”.

Redondeando el trío central está James Franco como Harry Osborn. Al final de la última película, Harry descubre la verdad sobre su padre y la identidad secreta de su amigo Peter. El odio y el resentimiento hacia Spider-Man ahora se extienden a Peter, al que ahora ve como un enemigo. Consumido por pensamientos de venganza contra Peter, al que hace responsable de la muerte de su padre, Harry entra en la guarida de su padre y se convierte en el Nuevo Goblin.

Los cineastas querían un aspecto fresco para el despiadado Harry. “Hablamos sobre cómo Harry probablemente usaría la última tecnología disponible en OsCorp para crear su arsenal”, anota el productor ejecutivo Kevin Feige. “Queríamos algo contemporáneo pero que siguiera siendo mortalmente práctico”.

“Harry tiene un vehículo que es más elegante y ágil que el planeador —ha tomado las armas de su padre y las ha hecho suyas”, dice el productor Grant Curtis. “Por otra parte, algunas armas, como las bombas calabaza, son inmejorables. Con el Nuevo Goblin, se tiene una mezcla entre la vieja escuela con las bombas calabaza y la nueva escuela con el bastón volador trucado”.

El diseñador de vestuario James Acheson colaboró con los cineastas en el aspecto militar de Harry Osborn. “La ropa de Harry refleja una mezcla entre las de los SWAT urbanos y la de una especie de caballero negro, pero con atributos bastante desagradables como espadas que salen de su brazo”, dice Acheson. “El traje es principalmente negro. Hay un toque de verde aquí y allí como recuerdo de su padre, pero Harry tiene su propia personalidad”.

“El principal dilema de Harry viene de esto: ¿Cuánto ama a sus amigos?” dice Franco. “Si acepta el hecho de que quiere a Peter y a Mary Jane, también tiene que aceptar que su vida hasta ahora ha sido una mentira —ha estado viviendo sólo para el odio, amando al hombre diabólico que fue su padre y haciendo su voluntad".

“Hemos llegado muy lejos con estos personajes”, dice Raimi. “Esta película fue una oportunidad para continuar cada una de sus historias, para mostrar su viaje desde que los vimos por primera vez hace cinco años y también para explorar lo lejos que todavía tienen que llegar”.

 



Nuevos personajes

En Spider-Man 3 —como en las dos primeras películas— los cineastas hicieron un esfuerzo especial para asegurarse que los villanos eran un reflejo de Peter y de los problemas que soporta mientras se hace mayor. Según Raimi, todos los personajes en Spider-Man 3 hacen avanzar la historia de Peter Parker. "Nosotros sostenemos un espejo”, dice Raimi. “Todos los personajes están ahí con un propósito —parte del hilo de la vida de Peter”. “Los cómics de Spider-Man tienen probablemente la mayor galería de malos de cualquier cómic de super héroes —hay muchos villanos memorables en los cómics”, dice el productor ejecutivo y presidente de producción de Marvel, Kevin Feige. “Con los villanos de Spider-Man 3 queríamos continuar la tradición —siguiendo al Duende Verde y a Doc Ock— de presentar villanos que no sólo dieran espectáculo y tuvieran presencia física ante las habilidades de Spider-Man, sino que fueran personajes con muchas capas y con conflictos". Para esto, los cineastas tomaron a dos de los más grandes y más memorables villanos del universo de Spider-Man: El Hombre de Arena y Venom. El Hombre de Arena es un villano clásico, e hizo su primera aparición en 1963 en el cuarto episodio de The Amazing Spider-Man.

“Flint Marko/Hombre de Arena es uno de los estandartes del universo Marvel, y el personaje presenta un rival para Spider-Man que no habíamos podido explorar antes —el aspecto intangible de un villano”, anota el productor Grant Curtis. “¿Qué pasaría si dieras un puñetazo a tu oponente y de repente no hay nada ahí? ¿Qué pasaría si en un instante se convirtiera en polvo? La belleza del Hombre de Arena es que es como luchar contra una navaja suiza. Crees que lo tienes controlado y entonces él cambia a una nube de polvo, o eleva su puño de martillo hacia ti, o se convierte en un montón de arena”.

El nominado al premio de la Academia Thomas Haden Church interpreta el papel principal del complejo Hombre de Arena. “Hemos sido afortunados de contratar algunos actores extraordinarios para interpretar a los villanos en las películas de Spider-Man, y Spider-Man 3 no es una excepción”, dice Raimi. “Cuando vimos cómo Thomas Haden Church presentaba, en su papel de Sideways, a un personaje con calor, humanidad y gracia —aunque el personaje escogía constantemente todas las elecciones equivocadas— supimos que podría hacer lo mismo para este villano clásico de Marvel".

“Creo que querían que el Hombre de Arena fuera un tipo como yo —un tipo que estuviera al límite y que fácilmente podría haber sido un criminal; un tipo implacable para algunas cosas, tal y como soy yo en la vida real", dice Church. "Hay una dureza y una crudeza que Sam encontró seductoras".

“Flint Marko es un solitario con un pasado bastante oscuro”, dice Church. “Pensé mucho en Lon Chaney, Jr. y los personajes por los que fue más conocido —siempre había una tristeza en sus ojos y una especie de cualidad de desafecto hacia él como hombre”.

Church anota que en sus primeras conversaciones con Raimi encontró otra inspiración para su personaje, una que arraiga al Hombre de Arena en una leyenda de hace siglos. “Sam me dio un libro de una fábula judía que rodea al Golem —una criatura hecha de tierra. Esa idea —esta criatura que no era un villano de corazón— fue muy significativa para Sam y se convirtió en una gran influencia.

“Como Flint dice de si mismo, él no es una mala persona”, dice Church. “Sólo ha tomado malas elecciones. Soporta el peso de una terrible culpa por algo que pasó tiempo atrás y por las cosas que están ocurriendo justo ahora. Sabe que lo que está haciendo es algo criminal, pero se ve a sí mismo como un hombre íntegro. Está haciendo lo que piensa que tiene que hacer. Nadie en las películas de Spider-Man viste simplemente un sombrero negro".

Escapando después de fugarse de la prisión, Marko cae en unas pruebas de física y se fusiona molecularmente con arena. Después de este accidente, Marko descubre que puede atraer material desde su entorno inmediato hasta su físico capaz de cambiar de forma. "El nacimiento del Hombre de Arena va a ser una de las escenas más alucinantes de Spider-Man 3, dice el productor Avi Arad. "Flint Marko se está fugando cuando entra en un complejo de pruebas en el momento en que se está probando un nuevo proceso científico. En la gran tradición de Marvel, los malos actos de Marko le llevan a transformarse en el Hombre de Arena. Será fascinante ver la creación de esta criatura".

Church estuvo aproximadamente un año preparándose para el papel, con un entrenamiento físico y una dieta que le llevó a ganar unos nueve kilos de músculo antes de empezar a rodar. “En el cómic, el Hombre de Arena es un tipo muy musculoso —parece un tipo de la WWF”, dice el actor. “Para la película decidimos darle un aspecto más delgado —endurecido en las calles, como Terry Malloy en On the Waterfront”.

Church dice que todo el trabajo duro valió la pena cuando empezó el rodaje. “Sam me señaló cuales serían los rigores físicos que tendría el papel, así que no estaba sorprendido. Toda la actividad física y el entrenamiento realmente me ayudaron a desarrollar la energía que necesitaba para gran parte de mi trabajo en la película”.

Eddie Brock, interpretado por Topher Grace, es un joven fotógrafo educado y ambicioso que se convierte en el rival para el trabajo de Peter en el Daily Bugle. Cuando Spider-Man finalmente se libra de la siniestra sustancia negra, ésta encuentra a Brock, que se transforma en el deliciosamente diabólico Venom, también uno de los favoritos de los fans de Marvel. En muchos modos, Venom es un reflejo del propio Peter Parker; se podría decir que es el propio lado oscuro de Peter que cobra vida.

“Estábamos realmente emocionados por traer a Venom a la película, porque es un personaje que tiene sus orígenes en Peter”, explica el productor Grant Curtis. “Cuando Spider-Man lleva el traje negro, el traje empieza a tomar la huella y las habilidades de Spider-Man. Cuando Peter se libra de ella, la sustancia se traslada a Eddie Brock, que no es tan buen hombre como Peter. Transforma a Brock, una persona que se siente universalmente aislada, en Venom. Venom posee algunos de los poderes de Spider-Man, y quiere atacar".

“Venom es uno de los personajes más difíciles de derrotar para Spider-Man", anota Arad. "Venom conoce a Spider-Man: cómo siente, cuáles son sus fuerzas y también sus debilidades. Ese es el enemigo definitivo".

“Venom tiene una historia con un origen único, e intentamos contar esa historia haciendo justicia a un personaje que es, posiblemente, uno de los personajes más populares de Marvel de todos los tiempos”, dice Curtis. “Venom tiene los mismos poderes que Spider-Man, pero está un poco más malhumorado y es más agresivo—puede saltar más lejos, balancearse más lejos y correr más rápido. En definitiva, es como ver a Spider-Man luchando con su propio yo más fuerte cuando ves el ballet aéreo entre los dos. Verlo es muy emocionante”.

El cómic de Marvel introdujo a Venom en los 80. Hizo su primera aparición en el capítulo 298 de The Amazing Spider-Man, y Eddie Brook apareció por primera vez dos capítulos más tarde. Anteriormente, el traje negro de Spider-Man se había presentado por primera vez en la portada del capítulo 8 de Secret Wars, en 1984.

Grace ha sido fan de Marvel durante años, y disfrutó de la oportunidad de representar a uno de sus villanos favoritos de todos los tiempos: "Estaba leyendo los cómics hace años cuando apareció Venom, y recuerdo que pensaba que era el más chulo, el personaje más carismático”, dice Grace. “Estaba muy honrado sólo con venir y conocer a Sam, Laura y Avi; fue genial escuchar a Sam destacar toda la trama de la película. Estaba nervioso y emocionado, y todavía me siento así un año más tarde, como si estuviéramos rodando la película".

Después de que le dieran el personaje de Eddie Brock/Venom a Grace, el director Sam Raimi discutió el personaje con detenimiento con él. "La visión de Sam de un Venom que es una especie de doble diabólico de Peter me pareció muy interesante", continúa Grace. "Hablamos de que Venom se regocija siendo malvado. Se emborracha de ese poder muy rápido".

“Al contrario que el Hombre de Arena, que está presente desde muy pronto en la película, mi personaje, Eddie, sufre una lenta transformación —está tejida a través de la historia", dice Grace. "Te preguntas si Peter no hubiera estado bajo el encantamiento de algo tan terrible, ¿hubiera tenido Eddie que llegar tan lejos? Es uno de los muchos aspectos intrigantes de la historia, que Peter Parker sea una de las razones del nacimiento de un villano”.

Ziskin dice que Grace fue la elección ideal para interpretar a Eddie Brock/Venom. “Topher está espectacular, ¡fascinante! Es divertido y aterrador, y un gran aporte al grupo”.

Grace, que se describe como “un tipo flacucho”, aumentó unos 9 kilos para el papel, trabajando durante varios meses antes de empezar a rodar. Durante la pre producción, Grace fue objeto de escáners de su cuerpo y análisis de datos de captura de movimiento para que los departamentos de vestuario y efectos visuales los utilizaran.

“Estaban haciendo un escáner de mi cuerpo y alguien mencionó que el escáner sería de gran ayuda para hacer mi muñeco. ¡Mi muñeco!” recuerda Grace. “¡Ni siquiera se me había ocurrido que me convertiría en un muñeco! Fue muy emocionante”.

Otra favorita de los fans, Gwen Stacy, hace su debut en cine en Spider-Man 3. Muy conocida por los fans de los cómics, Gwen hizo su primera aparición en diciembre de 1965 (capítulo 31 de The Amazing Spider-Man) y rápidamente se convirtió en el primer amor de Peter Parker.

En Spider-Man 3, Gwen es una guapa compañera de clase que tiene un enamoramiento con Spider-Man. Su presencia aporta una nueva dinámica a su relación con su verdadero amor, M.J. Gwen también es el objeto del deseo de Eddie Brock, que confunde su amistad casual con el interés romántico.

Bryce Dallas Howard tomó el papel. Dice que a pesar de las diferencias entre el cómic y las versiones de pantalla de su personaje, Howard fue capaz de utilizar el cómic como inspiración para dar vida a Gwen Stacy. "Había una relación muy profunda en los cómics —ese fue mi punto de partida", dice la actriz. "Gwen es un personaje secundario en esta película, pero hay detalles y un trasfondo en las escenas de Gwen con Peter. Ella no es una mera distracción para Peter Parker. Es una persona que, si las cosas hubieran sido distintas, podría haber sido una buena compañera para él. Como su padre es capitán de policía, está acostumbrada a que alguien salga y ponga su vida en peligro todos los días y amarlo incondicionalmente. Pude construir eso, interpretar el personaje que estaba escrito en el cómic”.

La productora Laura Ziskin anota que Howard estaba particularmente emocionada por interpretar sus propias escenas de acción y que le parecía un juego todo lo que le lanzaba Raimi. “Bryce nos impresionó cuando llegó para leer con Tobey para el papel de Gwen Stacy”, recuerda Ziskin. “Tenía esta especie de luz del sol en medio de un montón de oscuridad y drama de la historia. También era una guerrera. Todo lo que le pedíamos que hiciera —incluso si era colgar de un edificio a varios pisos de altura o planear en el aire con Spider-Man —era espectacular”.

El nominado al Oscar, James Cromwell interpreta al padre de Gwen, el capitán del departamento de policía de Nueva York, George Stacy, que comparte con Peter inquietante nueva información sobre la muerte del Tío Ben, y que se preocupa por el intenso interés de Eddie Brock por su hija. Theresa Russell interpreta a Emma Marko, la mujer de la que está separado Flint Marko.

“Es maravilloso traer nuevos actores a la serie porque, aunque tienes una serie de reglas y argumentos existentes que quieres adherir, al mismo tiempo tienes que agitarlo, trayendo nuevas voces y energías a la película que no hemos experimentado antes", anota Raimi. "Le da al público una experiencia nueva, con los personajes que quieren, pero con una nueva energía dinámica con estas caras nuevas con ellos en pantalla".

 



El diseño de producción

“En términos de logística y de alcance de acción, Spider-Man 3 es, de lejos, la más grande de las tres películas", dice Ziskin. "Queríamos cumplir las expectativas del público y traer nuevas y emocionantes experiencias a la tercera película. Sam ha subido realmente la apuesta para esta película, en términos de secuencias de acción y efectos visuales que involucran al Hombre de Arena y a Venom, por lo que es un esfuerzo gigantesco, con unas 1000 personas trabajando para conseguir ese objetivo”. Durante la producción, Raimi confió en miembros clave de su equipo de cineastas que trabajaron previamente en Spider-Man y en Spider-Man 2 —incluido el supervisor de efectos especiales John R. Frazier y el director de la segunda unidad Dan Bradley— para dar vida a toda la historia de Peter Parker que fuera posible antes de las cámaras. "Siempre que sea seguro y práctico, me gusta captar la acción en la cámara", dice Raimi. "Los efectos visuales son una herramienta fantástica para la acción que no pueden hacer los seres humanos —pero si un hombre puede hacerlo, hagámoslo". El equipo de talentosos especialistas estaba preparado, pero también lo estaba el reparto. Bryce Dallas Howard sorprendió a los cineastas haciendo un juego de todo lo que le podían lanzar —empezando el primer día. De repente, la actriz se encontró colgando de un arnés. Cuando en una huida una grúa de construcción se estrella contra un edificio, lo destroza todo y provoca que se caiga el suelo que hay debajo de Gwen", dice Howard. "Gwen intenta agarrarse a donde pueda pero finalmente cae en picado muchos pisos antes de ser rescatada por Spider-Man”.

Después de interpretar varias porciones de la secuencia en estudios de sonido de Los Ángeles, Howard estaba ansiosa de volver a ponerse los arneses otra vez para volar con Spider-Man por la Sexta Avenida. ”Lo genial de las películas es que realmente puedes experimentar estas escenas de acción locas, locas, cosas que nunca surgirían en la vida real”, dice Howard.”Sabía que iba a estar al 100% segura porque Sam y el equipo de especialistas realmente protegen a los actores. Así que intenté hacer todas las cosas que pude porque es realmente y ¡es una gran subida de adrenalina!"

Thomas Haden Church también estaba preparado para el desafío —de hecho, incluso más. Otro más que Tobey Maguire —el propio Spider-Man— Church sufrió el tratamiento más brutal para completar las escenas de riesgo para Spider-Man 3. Tanto si lo colgaban en el aire a varios metros con lo que podía aterrizar con la cara en el barro, o si lo perseguían (y cogían) perros, o si lo suspendían a un lado del escenario o se caía en las vías del tren, o si se aplastaba la cara contra un panel de plexiglás, el actor se vio a sí mismo magullado y golpeado repetidamente, pero estaba preparado para todo. Según el productor Grant Curtis, “No era intencionado, pero a veces parecía que si hacía falta apalear a algún actor por algún motivo, Thomas tenía todas las papeletas”.

Dos miembros del equipo de producción que desempeñaban un papel clave para asegurarse de que estas secuencias de acción eran todo lo seguras y espectaculares posibles fueron el supervisor de efectos especiales John R. Frazier (que previamente trabajó de lo mismo en las primeras dos películas de Spider-Man) y el director de la segunda unidad Dan Bradley (un veterano de Spider-Man 2). "Trabajar con Sam es como volver a la escuela”, dice Frazier. “Tienes ese momento donde dices, ‘Oh, va a ser realmente duro pero muy divertido’. No es raro para mi estar en una película como Spider-Man 3 durante nueve meses desde el planeamiento de los decorados al principio y durante la producción”.

Una escena que destaca su trabajo es la porción de las alcantarillas subterráneas de una elaborada secuencia de lucha entre Spider-Man y el Hombre de Arena. Raimi trabajó estrechamente con Frazier, Bradley y el supervisor de efectos visuales Scott Stokdyk en la secuencia en la que Hombre de Arena es golpeado por la fuerza de una tromba de agua provocada por la explosión de una tubería y, bastante literalmente, desciende por la alcantarilla. Sam quería que Hombre de Arena se derritiera, en esencia, durante esta secuencia.

“Esta es la mayor escena de agua en una toma que he hecho nunca para una película", recuerda Frazier, que había supervisado previamente los efectos especiales para Poseidón. "Utilizamos 227.300 litros de agua, rodando fuera de una tubería que volaba la parte de atrás del escenario un metro y medio. Cuando ves esta secuencia, el agua parece ser una delgada columna de agua; sin embargo hicimos hueco el centro de la tubería y utilizamos un limitador para controlar el tamaño de la columna. El agua se recuperaba con bombas que podían impulsar 13.638 litros por minuto. Podemos rellenar ambos tanques en unos cinco minutos, así que estamos listos para otra toma”.

La secuencia se cubrió utilizando ocho cámaras, según Stokdyk. “Esta secuencia es donde Spider-Man descubre la debilidad del Hombre de Arena —el agua. Teníamos que poner un Hombre de Arena por ordenador aquí porque el agua iba a demasiada velocidad para que Thomas Haden Church o un especialista interprete partes de la secuencia. El agua es un gran desafío para los efectos visuales, especialmente a gran escala, así que nuestro objetivo aquí era integrar sin que se notase los elementos para esta secuencia entre lo práctico y los efectos por ordenador".

Para Bradley, una de sus escenas favoritas es la lucha entre Peter y Harry en la guarida de la mansión Osborn —que contrasta de forma agradable con la batalla aérea entre superhéroes al principio de la película. “Es una gran lucha, porque es un mano a mano", dice Bradley. "Estos dos chicos se quieren como hermanos —hay mucha historia entre ellos. A causa de la confusión, la falta de comunicación y la inmadurez, ambos terminan haciéndose daño”.

“Trabajamos estrechamente con Sam para coreografiar la lucha entre Peter y Harry en el mansión”, dice Bradley. “Sam quería que esta fuera una batalla entre dos viejos amigos que tienen una pelea, más que una lucha de ‘superhéroes’. Tenía que estar dirigida por las emociones de los dos personajes, contada mejor mediante un estilo de lucha con la que el público pudiera identificarse. Sam, Tobey, James y mi equipo trabajaron codo con codo para que la coreografía pareciera real y sincera para estos personajes".

El trabajo de Bradley y Frazier también se muestra en una secuencia de acción durante un atraco a un banco en el que un guardia de seguridad (interpretado por nada menos que el productor Grant Curtis) cae víctima de la cólera de Hombre de Arena. “Como productor, Grant está cualificado como nadie para guardar el dinero", ríe Bradley "así que Sam lo encasilló y lo invitó a pasar mucho tiempo en el escenario siendo enterrado bajo toneladas de arena como uno de los guardias armados de los coches".

Aunque era aprensivo sobre interpretar la escena de acción, Curtis dice que hubiera sido inútil discutir. “He trabajado con Sam 10 años, así que sé que una vez que se toma una decisión, él va a seguir su camino", dice.

La secuencia empieza de forma espectacular, cuando el Hombre de Arena aplasta la parte de arriba del coche blindado con su puño —que, en realidad, el equipo de Frazier hizo de espuma de poliuretano. Tenía unos dos metros y medio de alto, casi dos metros de ancho y pesaba 226,5 kilos. Entonces, un montón de escombros —arena— llegaban volando hacia Curtis. “En la primera toma, anticipé al golpe y reaccioné demasiado pronto”, recuerda. Tras un ajuste, clavó la segunda toma.

Al final de la secuencia el guardia estaba enterrado en la arena. Para rodar la escena, el coche blindado se elevó y se ladeó en un ángulo de 50 grados para que la arena pudiera descargarse y rellenar el coche, pero con sólo una fracción de esa presión sobre Curtis. El productor pronto se encontró bajo 1,800 kilos de maíz —el ingenioso sustituto de los cineastas para la arena.

La idea de utilizar maíz como sustituto para la arena no llegó inmediatamente a los cineastas. El hombre encargado de investigar que tipo de arena haría al Hombre de Arena era el diseñador de vestuario James Acheson. Después de todo, como parte del equipo responsable del aspecto del personaje, Acheson tendría que responder a algunas preguntas críticas al principio de la producción. ¿A qué se parece un hombre hecho de arena? ¿Su cara sería arenosa o suave? ¿Su ropa también estaría hecha de arena?

La primera orden resultó ser decidir que tipo de arena, exactamente, maquillaría al villano. Se trajeron varios tipos de arena de todo el mundo y se examinaron. Sin embargo, en su investigación, los cineastas rápidamente descubrieron que no sólo saldría caro importar arena, sino que, debido a su peso, demasiada sería insegura para los actores y los especialistas. Al final del día los cineastas se centrarían en un ingenioso sustituto que sería seguro y efectivo: mazorcas de maíz molidas, que se parece a la arena pero sólo pesa la mitad.

Tanto para pensar en que tipo de arena utilizaría el Hombre de Arena o para resolver cualquier otro problema de vestuario, el lema de Acheson era: Cuando tengas dudas, vuelve sobre el texto original. “Sacamos nuestra inspiración, como siempre, del cómic”, dice. ”El Hombre de Arena es uno de estos notables personajes que pueden cambiar de forma, disolverse, desaparecer, crecer o convertirse en barro o en hormigón. Diseñamos varios escenarios y diferentes escalas de la evolución de Hombre de Arena, trabajando con escultores maravillosos para crear maquetas, pequeñas estatuas de Hombre de Arena en sus múltiples apariencias".

Tanto como el Hombre de Arena necesitaba de cada uno de los departamentos para poder hacer su juego, también los necesitaba Venom —el igual y rival de Spider-Man. Acheson y su equipo crearon varias etapas del aspecto de Venom, trabajando con Raimi para crear una tensión en la escultura del traje. “Era importante para Sam y para James que hiciéramos el traje realmente fuerte y agresivo, como con los zarcillos que se arrastran por la cara de Venom en algunos puntos”, dice la especialista en cabezas Shownee Smith, cuya compañía Frontline Design trabajó bajo la dirección de Acheson para fabricar el vestuario especial para la película.

Para que el público conecte con los personajes, Raimi sintió que era esencial que los ojos de los enmascarados y de los personajes malignos fueran visibles durante el transcurso de la historia. "Para Sam era muy importante ver los ojos de Topher a través del traje", dice Acheson. "Sam quiere la emoción que transmiten los ojos reales y una cara real, así que para mantener eso diseñamos varias etapas por las que pasa Venom antes de convertirse en una creación completamente monstruosa”.

Para las escenas donde Brock se convierte en Venom, Grant pasó una hora para que lo metieran en el traje, que añadió entre 50 y 60 kilos a su peso. El actor pasó entonces cuatro horas y media adicionales en maquillaje para que le añadieran varios aparatos, incluidas varias hileras de dientes que llevaba Grace para dar al personaje la ilusión de una boca más grande y amenazadora. Los cineastas también sujetaron mono filamentos en la piel de la cara de Grace para que pudieran tirar y distorsionar el personaje cuando hace su transformación.

“En un momento mientras se rodaban las escenas de la transición, pensé, '¡Pero qué es lo que he firmado!’”, ríe Grace. Tenía un pringue negro por todo el cuerpo, cables sujetos a mi cara de los que tiraba hacia arriba gente con cañas de pescar, mientras que otra gente debajo de mí tiraba de ellos hacia abajo... Cuando ves que mi personaje tiene dolor, bueno, no se necesitaba mucha actuación".

Acheson también era responsable de ayudar a diseñar otro villano, si se le puede llamar así, es el propio traje negro. Cuando la propia sustancia se pega al traje de Spider-Man, se vuelve negro y saca algunos de los lados más oscuros de la personalidad de Peter. Para Acheson, eso presentaba un desafío — ¿cómo diseñar un vestuario que reforzara la idea de que un traje estaba afectando al personaje? “Está hecho del mismo material que el traje de Spider-Man, pero teñido de un color diferente, y hemos cambiado el color de los reflejos”, explica Acheson. “También cambiamos ligeramente los ojos y hemos cubierto el traje con una rejilla, impresa en Plastison, que imprimimos en pantalla sobre el traje. Es un sistema de rejilla similar al rojo y azul del traje de Spider-Man, impresa con un lustre negro que, esperamos, le de al traje una especie de cualidad líquida. Se convierte en un elemento estructural casi orgánico dentro del traje”.

Tanto si es el traje rojo y azul familiar o el traje negro nuevo —construir un traje de Spider-Man es una empresa enorme, según Acheson. Lleva unas 200 horas crear un traje de Spider-Man— y el rodaje necesitó de 40 trajes. Eso significa 8.000 horas para crear el traje de Spider-Man —sin contar el traje negro de Spider-Man y otro vestuario.

Acheson estudia los movimientos de los actores cuando diseña para sus personajes, y tiene en cuenta el trabajo en los cables que tienen que interpretar cuando crea el vestuario. "Casi todos los personajes de esta película llevan arneses de seguridad bajo su ropa, lo que obviamente afecta al modo en que se mueve la ropa y el modo en que se mueven los actores, así que mantuvimos todos estos aspectos en mente durante el proceso de diseño", dice.

Acheson, que había diseñado el vestuario de Spider-Man y Spider-Man 2, dice que la serie de Spider-Man todavía lo intriga y le supone un desafío. “Sigo estando interesado en trabajar con diferentes tecnologías como la espuma, los plásticos y los metales, además de la tela”, anota. “Estoy interesado en la fusión entre el escultor, el trabajo de efectos especiales, y el taller de costura. Tuvimos mucha interacción entre estos departamentos en Spider-Man 3”.

También interactuando con cada uno de los departamentos estaba el diseñador de producción J. Michael Riva, que está especialmente orgulloso de su trabajo al crear la construcción que sirve de escenario para la batalla final de la película. "Hacer un edificio en construcción no suena muy difícil, pero si tienes sólo ocho semanas para diseñarlo y construirlo, es prácticamente imposible”, dice. “¡Utilizamos unas 20 toneladas de acero, 100 soldadores y 200 carpinteros trabajando contra reloj siete días a la semana para hacerlo! Pero todos lo conseguimos”.

Nos llevó seis semanas para completar el escenario, utilizando toneladas de acero de un proyecto de construcción cancelado. Un ascensor de construcción, completado con un operador, transportó al reparto y al equipo a los distintos niveles del elaborado escenario. Para la extensiva iluminación y las necesidades eléctricas que necesitábamos para la secuencia, se diseñó un laberinto de conexiones que se instalaron a unos cuatro metros de la planta del escenario utilizando unos 6 kilómetros de cable eléctrico. Cuando el escenario estuvo listo para rodar, el Set de rodaje 27 estaba revestido de unos 21.000 amperios, suficiente energía para alimentar unos 200 hogares.

“Lo genial de un escenario de construcción es que es un lugar muy peligroso. Primero, además de la altura del escenario, hay mucho acero por todas partes. Siempre puedes confiar en que Sam vea oportunidades y salga con una forma eficaz de utilizar estos elementos para potenciar el peligro de una escena", dice Riva. "Segundo, era una estructura abierta, que pretende tener unos 50 pisos, abierto a todas partes. Esto ofrecía a Sam un gran abanico de posibilidades para subir y bajar con la red, para realizar una persecución por toda la cara de la estructura de acero. Cuanto más alto subían luchando por el edificio, más crecía la tensión y el peligro. ¡Es una gran caída si no eres Spider-Man!”

Una de las razones por las que los cineastas fueron capaces de conseguir tales cotas es que muchos miembros del equipo eran veteranos de Spider-Man y Spider-Man 2, o ambas. Un ejemplo es el miembro del equipo de efectos especiales de Frazier, el “web master” George Stevens, parte del equipo de efectos especiales de Frazier, que estaba a cargo de diseñar y construir todas las telarañas de la película —tanto para Spider-Man como para Venom. Para una memorable escena al principio de la película en la que Peter y M.J. comparten una noche romántica en una red gigante bajo las estrellas, Stevens construyó una red de unos 7x10 m. "Contando los ensayos que hicimos antes de empezar a construir, trabajamos en esa red durante dos meses", dice Stevens. Cuando llegó el momento de rodar, se sujetó a Maguire y a Dunst con arneses y se les bajó a la red.

 



Los efectos visuales

“El público siempre pide cosas nuevas, que les lleven a lugares nuevos”, dice el director Sam Raimi. “Cuando se trata de efectos visuales eso significa que o bien confías en la tecnología existente y la aplicas de formas nuevas o desarrollar una nueva tecnología para traer estas visiones fantásticas. Siempre te estás preguntando, ‘¿Qué no he visto antes?' Bueno, si no lo has visto antes, es que posiblemente no hay tecnología que lo permita. En casi todos los casos, tuvimos que desarrollar la forma de conseguir los efectos para Spider-Man 3". Para el supervisor de efectos visuales Scott Stokdyk —el hombre encargado de llevar los efectos visuales a la pantalla— estas palabras fueron el comienzo de un proceso de dos años para desarrollar la tecnología que hiciera a Spider-Man 3 la película visualmente más asombrosa de la serie. Tan grande como fue el desafío de llevar al Hombre de Arena a la pantalla para el departamento de efectos prácticos, quizá ningún grupo afrontó mayores obstáculos que el equipo de Stokdyk. “Cuando empezamos el proceso de pre producción, todavía no se habían desarrollado los programas informáticos que pudieran conseguir el aspecto y las capacidades del Hombre de Arena que Sam quería ver”, recuerda el productor Grant Curtis. “Sin embargo, Scott Stokdyk y su equipo crearon nueva tecnología para manipular todas las piezas de arena en nuestro personaje. La tecnología existente permitía la gestión de miles de partículas a la vez —pero para animar al Hombre de Arena como quería Sam, teníamos que ser capaces de derretir billones de partículas. Al final, el nuevo código que escribieron precisó de diez años para codificar”. Un equipo de ingenieros de programación dirigido por Douglas Bloom, Jonathan Cohen y Chris Allen, aumentó el ritmo de trabajo para sacar el software que daría a los animadores la herramienta que necesitaban para hacer su trabajo.

El productor Avi Arad anota que antes de que pudiera empezar cualquier trabajo, los animadores primero tenían que saber a lo que se enfrentaban. “Teníamos que entender cómo se comporta la arena. Sólo después de hacer eso pudimos trabajar en las ecuaciones matemáticas para saber cómo manipularla”.

Stokdyk vio desde el principio que para llevar al Hombre de Arena a la gran pantalla requeriría que su equipo aumentara el paso. “Sabíamos desde el comienzo de esta película que nos enfrentábamos a un gran desafío desde una perspectiva de efectos y animación de personajes —arena”, dice Stokdyk. “Sam quería que la arena en pantalla fuera controlable, aunque no mágica. La arena tenía que fluir de un modo muy realista. Todos hemos visto arena caer, así que tenía que parecer real. Pero la arena también tenía que subir y formar un ser humano”.

Stokdyk dice que él y su equipo se prepararon para el desafío en primer lugar observando cómo se mueve la arena en el mundo real. “Una de las primeras cosas que hicimos fue organizar una toma de arena con Sam y Bill Pope, el director de fotografía”, continúa Stokdyk. “Rodamos un montaje de arena de todas las maneras que necesitamos —tirándola hacia arriba, tirándola contra una pantalla azul, sobre una pantalla negra. John Frazier, el supervisor de efectos especiales, la lanzó desde una lata aérea a un especialista. Todo lo que pudimos imaginar que la lata haría en la película, lo rodamos".

Lo que encontramos fue una nueva forma de pensar en arena. “La arena tiene desafíos únicos porque se comporta a veces como un sólido —a menudo verás granos individuales volando— y a veces como un líquido —piensa en las dunas que se mueven”, continúa Stokdyk. “Sabíamos que la parte de partículas iba a ser nuestro mayor desafío —no sólo desde un punto de vista técnico, sino desde un punto de vista artístico, combinando efectos de animación de arena volando por ahí con animación conducida por el personaje".

Mientras que Stokdyk y los animadores de efectos trabajaban en la “mecánica cuántica” del movimiento de la arena, Spencer Cook, el supervisor de animación de Spider-Man 3, comenzó el proceso de diseñar el personaje. “El Hombre de Arena es realmente un desafío interesante que requiere de una gran integración entre la animación del personaje y la animación de efectos”, dice. “La arena, y el modo en que la arena se mueve por su cuerpo, y el modo en que él se mueve están íntimamente unidos. No sólo tuvimos que animar al personaje de forma realista en concordancia con la interpretación de Thomas, sino también todos los trozos de arena que caen del personaje”.

“Ahí hay un personaje, con emociones, pero sólo es una montaña de arena", dice Stokdyk. "Si hemos reunido los suficientes granos de arena para hacer que la gente sienta algo, entonces lo hemos conseguido”.

Al final, todos los artistas estaban extremadamente orgullosos de su creación. “Sony Pictures Imageworks desarrollaron software para Spider-Man y Spider-Man, pero para Spider-Man 3, cambiaron los estándares de la industria”, dice Curtis.

El Hombre de Arena, por supuesto, no era el único personaje que supuso un desafío considerable para Cook; animar al Spider-Man de traje negro requería de cambios sutiles para reflejar la personalidad más agresiva del personaje. “Se moverá un poco más rápido aquí y allí, encorvará los hombros un poco más, elevará los codos un poco más arriba cuando esté pegado a una pared. Intentamos encontrar poses que no tuviera el Spider-Man clásico —donde el Spider-Man de traje rojo era elegante y gracioso en sus movimientos, el Spidey de traje negro es más despuntado, áspero y temerario”.

Para crear a Venom, Stokdyk anota que el personaje tiene al menos tres etapas distintas. Primero, por supuesto, está la transformación inicial, en la que la piel de Topher Grace es arrancada de su cuerpo e hilos de una sustancia cruzan su cara hasta que lo envuelven completamente. “A medida que se enfada más, se convierte más en un monstruo, en una bestia”, anota Stokdyk. Al principio, se convierte en una especie de doble de Spider-Man, interpretado por Grace. Hacia el final de la película, se convierte en un personaje creado enteramente por ordenador —el Venom clásico de los cómics, con una mandíbula amenazadora y desquiciada y una boca llena de dientes afilados. “Todo está vivo en el ‘Venom del cómic’”, continúa Stokdyk. “El desafío era hacer un personaje que fuera monstruoso, muy detallado, muy cinético —pero no delicado. A pesar de todos los detalles sigue siendo amenazador”.

Si el Hombre de Arena, el Spider-Man de traje negro y Venom hubieran sido los únicos desafíos a los que se enfrentarían Stokdyk y su equipo ya hubiera sido suficiente. Pero Stokdyk también estaba decidido a abrir nuevos caminos en términos de la integración de la acción real con los efectos visuales. El supervisor estaba a mano durante la producción para poder estar listo para atrapar el balón tan pronto como se rodaran las escenas. “Era importante para Sam y para mí incorporar toda la acción real en los efectos por ordenador como fuera posible”, dice. “La razón típica por la que se anima una toma es porque una persona no puede hacerla entera. Queríamos encontrar la manera en la que un actor o un especialista hicieran parte de la acción y sintetizar el resto. El objetivo era encontrar el equilibrio entre mantener la toma real y hacerla emocionante y cinemática”.

Un ejemplo dramático de esta idea está al principio de esta película, cuando Peter Parker se encuentra emboscado por el Nuevo Goblin —su amigo, Harry Osborn. Es interesante que esta escena fuera la primera toma en fotografía principal en Spider-Man 3 y empezara justo donde termina Spider-Man 2. El estudio 30 en los estudios Sony Pictures en Culver City, California —el escenario final utilizado para Spider-Man 2 para el elaborado escenario del muelle de Doc Ock— se convirtió en el primer lugar para el rodaje de Spider-Man 3. El departamento artístico creó un escenario de una pared de ladrillo y un callejón y el departamento de dobles de acción lo elevó para la batalla aérea.

“Fue idea de Sam mostrar a Peter luchando como Peter, no como Spider-Man”, dice el productor Avi Arad. “Es un momento fantástico, porque refleja lo personal que es esta batalla para Peter cuando puedes ver su cara".

Tobey Maguire y James Franco completaron la mayoría de la secuencia de acción aérea, haciendo trabajo de cables suspendidos en el aire sobre el escenario. “Tobey es realmente hábil en situaciones de especialistas, y lo coge todo realmente rápido”, dice el coordinador de dobles Scott Rogers. “James también es fantástico —tiene una gran actitud. Ambos actores están acostumbrados al tipo de requerimientos físicos de sus papeles, y sobresalieron”.

Para Stokdyk, conseguir cotas tan altas no hubiera sido posible sin la contribución de su equipo en Sony Pictures Imageworks, reuniendo, al final entre 200 y 250 personas para completar más de 900 tomas con efectos. “Vives y mueres por tu equipo”, dice Stokdyk. “Siempre estaban listos para responder, siempre preparados. Ese es parte del proceso de trabajar con Sam; tienes que ser flexible y estar listo para cumplir".

Copyright del artículo © Guzmán Urrero. Reservados todos los derechos.

Copyright de texto e imágenes © 2007 Columbia Pictures, Marvel Studios y Laura Ziskin Productions. Cortesía de Sony Pictures Releasing de España. Reservados todos los derechos.


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correo@thecult.es (Guzmán Urrero) Critica de cine Fri, 04 May 2007 21:08:06 +0000