Vicente Díaz http://thecult.es Mon, 22 May 2017 15:36:52 +0000 Joomla! - Open Source Content Management es-es Crítica: "Déjame salir" ("Get Out", Jordan Peele, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-dejame-salir-get-out-jordan-peele-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-dejame-salir-get-out-jordan-peele-2017.html Crítica:

La manera de consumir imágenes por parte del público actual, aquejado de eso que llaman déficit de atención (la falta de paciencia y la concentración de un niño de tres años, hablando en plata), ha complicado la existencia del género de suspense, cuya esencia es, precisamente, forzar el temple del espectador para mantenerlo tenso y pendiente.

“Al borde de la butaca”, se solía decir. Ahora, lo normal es que ese mismo espectador se ponga a mirar Facebook en cuanto pasan cinco segundos sin que se produzca un estruendo o aparezca algo brillante en la pantalla.

El suspense, como tantas otras cosas, se ha mudado a las series de televisión, aunque todavía hay filmes que intentan actualizarlo, mezclándolo con otros géneros e intentando captar la atención del respetable con montajes rápidos y ruidosos.

Entre los ejercicios de suspense de los últimos tiempos, destaca por su contenido y ejecución Déjame salir, escrita y dirigida por Jordan Peele. El realizador demuestra astucia con un guión de trama algo disparatada, pero rico en detalles brillantes, tanto satíricos como perturbadores.

A pesar de ser un film propio del cine comercial contemporáneo, con concesiones al público de multiplex (secundario cómico metido con calzador, deriva al cine de acción en su parte final…), Peele exhibe un estilo visual, si no clásico, sí más cuidado y pulcro de lo que suele ser habitual en este tipo de películas.

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Destaca la extraordinaria dirección de actores, por otro lado muy bien escogidos. En este aspecto, resultan soberbias las secuencias en las que los secundarios actúan de manera extraña, para desazón el protagonista y del propio espectador.

El espíritu del escritor Ira Levin planea sobre este ejercicio de humor negro, suspense y paranoia, y es fácil recordar en determinados momentos cintas inspiradas en sus novelas, como Las poseídas de Stepford (The Stepford Wives, 1975), Los niños del Brasil (The Boys from Brazil, 1978) o La semilla del diablo (Rosemary's Baby, 1968).

En esta ocasión, el enfoque caricaturiza ciertas conductas racistas en las que todos caemos en algún momento. En especial, esa ridícula condescendencia con personas de otra etnia que nos sirve para dejar claro que no somos racistas (generalmente, para ocultar nuestro racismo latente).

Déjame salir (Get Out) no es una obra maestra del género, pero sí un pequeño film de entretenimiento que cumple con lo que promete y va un poco más allá, planteando una serie de apuntes sociológicos sin necesidad de recurrir al sermón.

Incluso puede que, para una parte del público, acabe transformándose en película de culto.

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Sinopsis

Un joven afroamericano es invitado a la mansión familiar de su novia blanca y descubre que la invitación se debe a un motivo muy siniestro.

Para Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Rose (Allison Williams) ha llegado el momento de conocer a los futuros suegros, y ella le invita a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy (Catherine Keener) y Dean (Bradley Whitford).

Al principio, Chris piensa que el comportamiento "demasiado" complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a descubrir una verdad inimaginable.

Al oír el nombre de Jordan Peele, mucha gente piensa inmediatamente en la mitad del brillante dúo "Key and Peele" y en la estrella de Keanu. Conocido por escribir y actuar en comedias de cine y televisión, también es un destacado imitador y además presta su voz a numerosos personajes de animación. Lo que muy pocas personas saben es que este genio cómico premiado con un Emmy es un fanático de un género que no tiene nada que ver con lo anterior. Debuta como realizador con Universal Pictures, el estudio que inventó un cine de monstruos original e innovador, y con una productora muy especializada en el terror, Blumhouse Productions, de Jason Blum.

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Jordan Peele, que empezó profesionalmente como guionista y actor en "MADtv", es un loco de las películas de terror y está convencido de que el miedo y la comedia beben de la misma fuente de inspiración... y de que ambos géneros surgen de nuestra necesidad de explorar lo absurdo del ser humano. Entiende que nos enfrentemos a nuestros problemas y a nuestros terrores a través de la experiencia catártica que representa morirse de risa o de miedo. También cree que si somos capaces de controlar nuestras emociones, saldremos indemnes de las experiencias.

El cineasta piensa que la tensión y el posterior desahogo son muy gratificantes para el público: "En un caso intentamos hacer reír, en otro intentamos asustar. Me lo pasé realmente bien utilizando todo lo que me había enseñado la comedia para construir un thriller, mi género preferido".

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El personaje principal del thriller es Chris Washington, un fotógrafo y artista en ciernes del que Rose se enamora. El director explica que el protagonista tuvo un pasado complicado: "Chris es muy inteligente, pero ha vivido un trauma emocional y expresa su dolor a través del arte".

El actor que daría vida a Chris debía ser el agradable invitado en el seno de la familia Armitage y, a la vez, el extraño que no pinta nada allí. Los productores y el cineasta escogieron al actor británico Daniel Kaluuya para el papel. "Daniel es una auténtica estrella", dice Jordan Peele. "Tiene el don de caer bien, y se sumerge en la escena en un abrir y cerrar de ojos. Me gustó mucho cuando le vi en la serie Black Mirror y en el largometraje Sicario. Aquí casi lleva toda la película él solo".

El guionista y director construyó a la novia perfecta para nuestro protagonista con el personaje de Rose, que se siente abochornada por el comportamiento de su familia. "Siempre me pareció importante que el centro fuese una historia de amor", explica Jordan Peele. "Queremos que la pareja funcione, estamos de su lado. Rose no es perfecta, descubre algunos elementos inesperados en una relación interracial, pero se esfuerza en entender por lo que está pasando Chris. Es una mujer comprensiva, divertida, inteligente y decidida a apoyarle".

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Para el papel de la joven enfermera Rose, los productores y el director escogieron a Allison Williams, una actriz cuyo trabajo en la serie Girls y en musicales les había llamado la atención. En cuanto a los papeles de los padres de Rose, el cirujano Dean y la psiquiatra Missy, ambos jubilados, los productores y el cineasta se inclinaron por dos intérpretes conocidos por trabajar en numerosas comedias. Catherine Keener, nominada al Oscar en dos ocasiones, que nos fascinó en Cómo ser John Malkovich y Capitán Phillips, y en comedias como Virgen a los 40, y Bradley Whitford, nominado a tres Globos de Oro, reconocido por sus papeles en las series El ala oeste de la casa Blanca y Transparent, así como por La cabaña en el bosque, fueron los dos actores escogidos para interpretar a dos malos nada habituales.

El último miembro de la familia inmediata de Rose es Jeremy, su hermano pequeño, muy interesado en provocar a Chris y conocerle mejor. Caleb Landry Jones, que se dio a conocer en la serie Friday Night Lights y saltó a la fama con X-Men: Primera generación, se encarga de que su personaje transmita una inexplicable y desagradable sensación que repele a Chris en el momento en que le conoce. Jordan Peele alaba al joven actor: "Caleb parece amenazante, pero a la vez es simpatiquísimo. Trabaja de maravilla y es un actor excepcional".

Las dos personas al servicio de la familia Armitage están interpretadas por Betty Gabriel, de Election: La noche de las bestias y Good Girls Revolt, en el papel de Georgina, el ama de llaves, y Marcus Henderson, de Django desencadenado y Peter y el dragón, como Walter, el jardinero. Cuando Chris los conoce, ve en ellos el reflejo del comportamiento del pueblo hacia los afroamericanos.

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Blumhouse Productions, QC Entertainment, Monkeypaw Productions, Universal Pictures. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Thu, 18 May 2017 22:29:08 +0000
Crítica: "Guardián y verdugo" (Oliver Schmitz, 2016) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-guardian-y-verdugo-oliver-schmitz-2016.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-guardian-y-verdugo-oliver-schmitz-2016.html Crítica:

El título original de la película (Shepherds and Butchers) nos habla de “pastores y matarifes”, y de los problemas que suelen crearse cuando una misma persona ejerce ambas profesiones. En este caso, un funcionario de prisiones adolescente cuya humanidad es destrozada al tener que guardar (cuidar, en cierto modo) y luego acompañar al patíbulo a cientos de presos.

El film se posiciona claramente en contra de la pena de muerte, pero va más allá del simple alegato. Esto es una virtud, ya que las películas con un discurso único en contra o a favor de algún tema específico terminan cayendo en el error de predicar a conversos, sin demasiada efectividad real.

El sudafricano Oliver Schmitz rueda la película con una frialdad acertada, que evita el sensacionalismo o los excesos melodramáticos que puedan nublar el cerebro del espectador. En este sentido, Guardián y verdugo plantea preguntas y puntos de vista, más que sermones.

El film utiliza con suma corrección el formato clásico del drama judicial, siempre sólido, pero no incide en el enfrentamiento entre defensa y acusación, ya que se da por hecho por ambas partes que el acusado es culpable desde el principio. Aquí lo importante son las causas del asesinato múltiple, que se van revelando a través del también tradicional método de los flashbacks (Por cierto, bastante duros. En ellos el sonido juega un papel fundamental, amplificando los ruidos más desagradables).

El gran Steve Coogan, apartándose del registro cómico que le ha dado fama mundial, encabeza un reparto en el que no hay lugar para los histrionismos ni la falsedad. Todos los actores resultan creíbles en sus papeles, a pesar de lo sencillo que sería caer en los “numeritos para el Oscar”.

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Más allá del posicionamiento en contra de la pena de muerte, o del retrato de la intolerable Sudáfrica del apartheid, el film explora los males de convertir a las personas en meras herramientas o números, y no sólo por parte de los malos de la película. En una ocasión, el socio del protagonista (un abogado activista contra la pena de muerte), le acusa de olvidarse de las víctimas de los condenados, de olvidar las caras y personas reales que hay detrás de los datos o los grandes ideales. Es más, el abogado incluso provoca daño psicológico a su defendido para lograr sus objetivos.

Guardián y verdugo es una cinta que mueve a la reflexión y nos invita a conversar acerca de ética, derechos humanos y todos esos temas que terminan dando dolor de cabeza, pero que no nos podemos permitir el lujo de dejar en manos de otras personas.

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Sinopsis

Sudáfrica, 1987. Cuando Leon (Garion Dowds), un vigilante de prisiones de 19 años comete un inexplicable acto de violencia –matar a siete hombres negros acribillados a bocajarro–, el resultado del juicio y la sentencia del tribunal parecen una conclusión inevitable.

El activista pro derechos humanos John Weber (Steve Coogan) es el único abogado que se alzará en defensa del joven, en lo que parece un caso imposible de ganar, sin esperanza alguna.

Apasionado detractor de la pena de muerte, John descubre que el joven Leon llegó a trabajar en el corredor de la muerte de la cárcel más importante de la nación, donde en un solo año se llevaron a cabo 164 ejecuciones.

Inspirada en hechos reales, el caso proporciona a John la oportunidad de poner en tela de juicio un completo sistema de asesinatos avalados por la ley, así como de exponer las condiciones traumáticas que llevaron al colapso de Leon: su papel dual de amigo y de ejecutor a la vez (guardián y verdugo) de los hombres a los que ayudó a morir.

Guardián y verdugo está basada en la galardonada novela homónima sudafricana escrita por Chris Marnewick, un antiguo abogado de Durban que ha llenado las páginas de su libro con información real y contrastada acumulada a lo largo de sus años como abogado defensor de condenados a muerte.

El elogiado por la crítica y multipremiado director Oliver Schmitz (Life, Above All) firma la adaptación a la gran pantalla de la historia escrita por el guionista y productor Brian Cox.

El actor británico nominado al Oscar Steve Coogan (Philomena) encabeza el reparto en el papel del abogado defensor John Weber, quien debe enfrentarse a la fiscal del Estado Kathleen Marais, interpretada por la también británica Andrea Riseborough (Birdman), en una intensa batalla judicial por salvar a un reo de 19 años que aguarda en el corredor de la muerte (el actor emergente sudafricano Garion Dowds) de una ejecución segura por haber matado a siete hombres negros. Otros de los intérpretes sudafricanos son: Eduan van Jaarsveld, Marcel van Heerden, Deon Lotz, Robert Hobbs y Sylvia Mdunyelwa.

La cinta, rodada en Ciudad El Cabo, está producida por Anant Singh (Mandela. Del mito al hombre) y Brian Cox (Kite).

Guardián y verdugo retrata la ejecución legal con un nivel de detalle desgarrador y sin precedentes, revelando el devastador impacto que ejerce en todos los que están implicados –los condenados que ven la muerte inminente cara a cara, los trabajadores del corredor de la muerte y del sistema judicial, y las familias y seres queridos tanto de los presidiarios como de sus víctimas. Presentando ampliamente ambos lados de la disputa a favor y en contra de la pena de muerte, el filme obliga inexorablemente al espectador a enfrentarse al acto de quitar la vida a alguien por orden del Estado.

Notas del director

"Es una película sobre un joven engullido por la sociedad, instruido para matar y luego abandonado a su libre albedrío", explica Oliver Schmitz, "también trata mucho sobre el Apartheid, pero igualmente podría tratarse de cualquier parte del mundo, donde a un chico en situación de guerra se le da una pistola, se le dice que mate a alguien y luego se le dice que vuelva a casa como si nada. Pues no funciona".

"Lo que encuentro más fascinante de esta historia es que muestra lo que le sucedió a una generación de sudafricanos blancos. Sí, tanto ellos como nosotros somos cómplices de alguna manera en esta sociedad, y tenemos que hacérnosla nuestra. Sin embargo, estos chicos recibían órdenes del gobierno y se les mandaba a la guerra de Angola, o a las townships (las ciudades de negros) con pistolas, o a cárceles como estas y se les enseñaba a matar a otras personas. Aquellos trabajos, les gustaran o les traumatizaran, detenían sus vidas normales y les hacían enfrentarse a sus familias. No se les permitía hablar de lo que hacían en sus empleos y se les obligaba a cortar de raíz y reprimir sus emociones, y a menudo se volvían agresivos. A estos asesinos 'oficiales' se les dejaba tirados con sus inevitables efectos psicológicos, no se les permitía buscar terapia y algunos llegaban a suicidarse".

"En esta historia ficticia, uno de los vigilantes, Leon Labuschagne, se ve inmerso en una incidencia de tráfico y mata a siete personas porque es la cantidad de condenados que se ejecutaban cada vez –o sea que hay un motivo. Realmente se trata de lo que les pasó a ellos, pero con un interrogante planeando alrededor –es una parte muy importante de la historia de Sudáfrica. En aquel tiempo, la generación más joven que trabajaba en puestos gubernamentales no tenía opción alguna: la generación mayor les instruía sobre lo que tenían que hacer para reforzar aún más la sociedad del Apartheid".

"Nada más terminar sus estudios, Leon no quiso ir a Angola a luchar en el frente, de modo que acabó trabajando en el corredor de la muerte, así que irónicamente no se libró de participar en la muerte de otras personas. En la historia había espacio suficiente para plantear la duda sobre hasta qué punto aquel proceso le gustaba o le creaba adicción. Hablando actualmente de antiguos vigilantes está claro que aquello les enganchaba".

"Aquí se presenta un dilema moral –no es solo aquello del 'no matarás'; sería más bien 'no te enseñarán a matar'. Así pues, ¿cómo cuentas una historia sobre alguien que, a la vez que mata gente, es también una víctima en sí?".

"Aparte de trabajar con un material y con unas imágenes brutales, con la inhumanidad y con la horca, los retos han surgido también en hacer que la historia sea tangible, en como hacer que el juzgado y el corredor de la muerte trabajen juntos, y en como encontrar el dilema moral en los personajes principales. Tuvimos que buscar la manera de juntar todos esos elementos".

"Será una película tan compleja como esperaba que fuera. De todos mis filmes, este ha sido el mayor desafío de todos, pero también la experiencia más intensa".

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Distant Horizon, Videovision Entertainment. Cortesía de Filmax. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Fri, 12 May 2017 20:19:38 +0000
Crítica: "Demonios tus ojos" (Pedro Aguilera, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-demonios-tus-ojos-pedro-aguilera-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-demonios-tus-ojos-pedro-aguilera-2017.html Crítica:

A ratos, esta película se mueve en terrenos ingenuos, algo que resulta paradójico ‒casi inquietante‒, ya que uno de sus temas principales es la pérdida de la inocencia.

Tenemos a un protagonista (interpretado por el muy internacional Julio Perillán) que cumple con prácticamente todos los preceptos del héroe byroniano; un director de cine culto, atractivo, libertino, rebelde, autodestructivo, destructor (y poseedor un cabello espectacular, todo hay que decirlo), con cierta afición por corromper leyes divinas y devorar inocencias. Un Don Juan, un Melmoth cuya nueva víctima es su hermanastra, una (no tan) inocente joven, encarnada ‒y aquí está el mayor reclamo del film‒ por la protagonista de la magistral El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), Ivana Baquero.

La actriz, ya adulta, continúa su idilio con la cámara insuflando vida a un personaje que, como su “depredador”, tiene más de cliché que de persona de carne y hueso.

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Lugares comunes, diálogos forzados, situaciones tirando a tontorronas y demasiados discursos de los personajes filosofando y analizando sus propias conductas provocan que el guión de Demonios tus ojos esté muy por debajo de su realización.

Es en el discurso audiovisual, y no en el literario, donde la película resulta más atractiva, ya que el director Pedro Aguilera desarrolla un constante juego de puntos de vista que sirven para definir a los personajes (acentuando lo superfluo de gran parte de los diálogos), pero también como un discurso crítico sobre la sociedad actual en la que todos somos voyeurs y objeto de voyeurismo, transformando a los demás (y transformándonos a nosotros mismos) en meras imágenes sin alma.

¿Tendrían razón aquellos aborígenes que temían ser fotografiados porque la cámara nos roba el espíritu?

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El film juega de manera inteligente con herramientas como el campo y fuera de campo, proyecciones, pantallas y espacios cerrados, incluyendo la utilización del formato 4:3 (parece estar volviendo últimamente, con films como The Artist, Ida, The Assassin o Un otoño sin Berlín), que da al espectador actual, acostumbrado a imágenes panorámicas, la voyeurística sensación de estar asomándose a la película por una suerte de ventanita o mirilla.

Por lo demás, Demonios tus ojos se esfuerza demasiado en resultar perturbador o transgresor, sin lograrlo especialmente. No incluye escenas particularmente “gráficas” (más allá de algunas fugaces fotos porno de Internet), y todo el asunto del incesto está ya superado hace años, siendo un elemento frecuente en los culebrones televisivos más populares. La relación y desventuras de los personajes, si bien tienen sus raíces en Byron, a veces se acercan peligrosamente a Moccia.

Quizá habría hecho falta algo de humor negro y socarrón al estilo de los desmadres de Paul Verhoeven, un tipo que sabe que no puede haber transgresión sin humor, y que tratar de ser rompedor y serio no tiene mucho sentido.

Algo de ese humor oscuro hay, por lo menos, en el último plano de la película, una imagen de mucho poderío, de las que se recuerdan.

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Sinopsis

Demonios tus ojos está protagonizada por Ivana Baquero (Las crónicas de ShannaraEl club de los incomprendidosHielo) –que obtuvo el Goya a la Mejor Actriz Revelación por El laberinto del fauno- y Julio Perillán (Proyecto LázaroMindscapeFrágil).

También forman parte del atractivo reparto Nicolás Coronado (Pasaje al amanecerEl bosque de la felicidad), Lucía Guerrero (Grupo 7Perdona si te llamo amor), Elisabet Gelabert (Magical girlLos tontos y los estúpidosTe doy mis ojos) y Juan Pablo Shuk (NarcosNo habrá paz para los malvadosCombustión).

Oliver (Julio Perillán), un joven director de cine asentado en Los Ángeles, descubre una noche en una web erótica que la protagonista de uno de los explícitos vídeos es su hermana pequeña, Aurora (Ivana Baquero). Sorprendido y confuso, decide viajar a Madrid, tras varios años sin visitar a su familia. Comienza así una búsqueda obsesiva de respuestas, un viaje íntimo hacia la turbación y la verdad de la imagen, una historia de dominación y manipulación, sobre los límites de la moral y la pérdida de la inocencia vital y audiovisual.

Según Pedro Aguilera, Demonios tus ojos "es la historia de un director de cine. Es por lo tanto el relato de su rostro y de su mirada, la del cineasta: un invasor que quiere penetrar en un espacio privado que no le pertenece, para después mostrárselo al mundo. La cinta muestra una sucesión de invasiones, habla de la intimidad de las personas. Lo que proyectamos hacia los demás puede ser en algunos casos lo opuesto a lo que vivimos en la privacidad. Es además una película sobre la perdida de la pureza. La inocencia ya no es posible en un mundo donde “todo” está expuesto. Las imágenes ya no son cautas ni parciales, lo muestran todo. Y sin embargo, son más manipulables que nunca. Su lectura se hace cada vez más ambigua".

Entre los referentes cinematográficos, temáticos y acerca de la mirada, de Demonios tus ojos, se encuentran clásicos como El fotógrafo del pánico (Peeping Tom, Michael Powell, 1960); El hombre con rayos X en los ojos (The Man with X-Ray Eyes, Roger Corman, 1963), Vértigo. De entre los muertos (Vertigo, Alfred Hitchcock, 1958), Identificación de una mujer (Identificazione di una donna, Michelangelo Antonioni, 1982) o Arrebato (Iván Zulueta, 1979), con un punto de vista actual y universal, en torno a un mundo contaminado en exceso de imágenes, donde nos resulta difícil distinguir entre lo captado por cualquier tipo de cámara y lo verdaderamente real.

Demonios tus ojos es una co-producción hispano-colombiana de Pedro AguileraAntonello Novellino y Cristina Gallego (Ciudad Lunar, Colombia, El abrazo de la serpiente) como productores, y de Jorge Manrique Behrens (Carmelita Films) como productor asociado. 

El guión de Demonios tus ojos está co-escrito por Juan Carlos Sampedro junto con Pedro Aguilera, quien ha participado en prestigiosas citas internacionales como la Quincena de los Realizadores con La influencia (2007) o el Festival de Cine Europeo de Sevilla con Naufragio (2010).

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Good Films. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Thu, 11 May 2017 09:59:48 +0000
Crítica: "Noche de venganza (Sleepless)" (Baran bo Odar, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-noche-de-venganza-sleepless-baran-bo-odar-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-noche-de-venganza-sleepless-baran-bo-odar-2017.html Crítica:

En el momento de escribir estas líneas, los aficionados al buen cine de acción viven con una renovada esperanza. El reciente estreno de la brillante John Wick: Pacto de sangre (Chad Stahelski), los prometedores tráilers de Atomic Blonde (David Leitch) y Baby Driver (Edgar Wright) y el anuncio de proyectos internacionales con tanto potencial como Triple Threat (Jesse V. Johnson) nos han devuelto la fe en el género, casi haciéndonos olvidar que el panorama todavía está dominado por la chapuza estética y narrativa.

Noche de venganza, remake hollywoodiense del film galo homónimo dirigido en 2011 por Frédéric Jardin, es una bofetada de realidad que nos recuerda la desgana y la falta de virtuosismo enquistadas en el cine de acción actual, y eso dejando de lado los festivales de imágenes virtuales del subgénero de superheroico.

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Sobre el papel, Noche de venganza no tiene un planteamiento por el que uno vaya a esperar una obra profunda, madura y trascendente, pero sí el potencial para convertirse en un entretenimiento delicioso, si se hace con estilo. Es un film que demanda eso: arte, dominio del suspense, la acción y el humor (para que los momentos estúpidos del guión no caigan en el ridículo).

A uno le viene a la cabeza aquella joyita tontorrona titulada Snake Eyes (1998), donde el buen hacer de Brian De Palma hacía brillar una historieta de planteamientos y escenarios similares a los de Noche de venganza. Por desgracia, Baran bo Odar no es Brian De Palma.

El film cuenta con un plantel de actores interesantes y entregados a sus papeles, momentos más o menos tensos (gracias al buen hacer de un divertido Dermot Mulroney en una situación no poco agobiante) y acción violenta bien planeada por los especialistas, pero mal rodada y editada.

En definitiva, se trata de una película para los fans de Jamie Foxx o de Michelle Monaghan. Para el resto de los mortales, un mero entretenimiento para ver en el autobús o en el avión y olvidarla antes de que se acabe la bolsa de cacahuetes.

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Sinopsis

Cuando el policía de Las Vegas Vincent Downs (Jamie Foxx) y su compañero Sean (Tip "T.I." Harris) roban una remesa de cocaína que estaba destinada a un jefe de un casino que trafica con drogas (Dermot Mulroney), el desesperado hombre de negocios responde secuestrando al hijo de Vincent (Octavius J. Johnson). Perseguido por una persistente investigadora de Asuntos Internos (Michelle Monaghan) y un sádico capo de la droga (Scoot McNairy), Vincent deberá confiar en su astucia y pura fuerza de voluntad para tratar de rescatar a su hijo a lo largo de una única noche en este crudo thriller lleno de acción.

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Poco después de que se proyectara el thriller francés Noche de venganza en el Festival de Cine de Toronto de 2012, los productores ejecutivos Adam Stone y Alex Foster empezaron a trabajar con el cofundador de Vertigo Entertainment Roy Lee —conocido por sus adaptaciones de títulos de género extranjeros como Infiltrados, El grito (The Grudge) y The Ring (La señal)— en la adaptación de la historia para el público norteamericano.

Los productores ficharon a Andrea Berloff, guionista de Straight Outta Compton, para que escribiera una versión en inglés del tenso thriller de serie negra y luego abordaron a Jamie Foxx para que protagonizara el proyecto. "Pensamos que Jamie sería perfecto para esta película", opina Foster. "Tenía toda una serie de comentarios e ideas para llevar el guion al nivel que necesitaba, así que trabajamos con él durante unos 10 meses antes de empezar a contactar con posibles directores".

Con Vincent, Foxx pretendía crear un personaje cercano y completamente tridimensional. "Quería hacer que Vincent pareciera alguien que conoces del barrio", comenta Foxx. "Vive en un lugar en el que todo es desesperado. ‘Quiero reconciliarme con mi chica. Quiero hacer lo correcto por mi hijo’. Al mismo tiempo, se encuentra sometido a una enorme presión y hay un tipo que no deja de seguirlo, como una especie de Terminator, y nada lo detendrá".

"Vincent toma atajos y se arriesga un poco, y a veces le sale el tiro por la culata", agrega Foxx. "Porque tu trabajo como agente de policía es una cosa, pero cuando alguien secuestra a tu hijo, se convierte en algo personal. Harías cualquier cosa para asegurarte de que tu hijo esté bien. ‘Tómame a mí, en lugar de a mi hijo’, es el estado mental con el que interpreté a este personaje".

El entusiasmo de Foxx por el papel no hizo más que aumentar después de que el alabado realizador suizo Baran bo Odar aceptara dirigir el proyecto. Los productores ficharon a Odar tras dirigir los alabados thrillers de serie negra centrados en personajes Who Am I - Ningún sistema es seguro y Silencio de hielo. "Bo tenía sin duda una visión para esta película", comenta Foxx. "Es casi como si tuviera un tercer ojo en lo que a dirigir se refiere. Siempre que tengo la oportunidad de trabajar con gente que verdaderamente sabe cómo hacer que las cosas resulten cinematográficas, no la desaprovecho".

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Riverstone Pictures, Vertigo Entertainment, Open Road Films, Sony Pictures. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Fri, 05 May 2017 22:36:22 +0000
Crítica: "Casi leyendas" (Gabriel Nesci, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-casi-leyendas-gabriel-nesci-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-casi-leyendas-gabriel-nesci-2017.html Crítica:

Axel (Santiago Segura) tiene que reunir de nuevo a la banda. No está en una misión divina, y por fortuna para él, su banda tiene menos integrantes que la de los Blues Brothers, pero tampoco le resultará fácil: Axel tiene síndrome de Asperger, debe abandonar España para regresar a Argentina y convencer allí a los ex-integrantes del grupo, que fracasó antes de despegar, allá por 1992.

Sus dos ex-compañeros tienen que ocuparse de sus propias vidas, pasando por ciertos trances, y Axel tendrá que persuadirles para regresar a aquellas actividades juveniles, un reto no tan alejado de ese que llevaba a cabo Simon Pegg en Bienvenidos al fin del mundo (Edgar Wright, 2013).

Ambos ex-músicos están interpretados por el omnipresente Diego Peretti, como profesor de instituto en crisis tras haberse quedado viudo con un chaval a su cargo, y Diego Torres, en la piel de un abogado chanchullero en serios apuros por sus sucios tejemanejes profesionales y personales.

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Aunque bien dirigida, y con algunos momentos de humor efectivos, la película cae con demasiada frecuencia en diálogos típicos de telecomedia, con chascarrillos tan forzados como previsibles.

El Asperger del protagonista al final es una excusa para meterle en situaciones cómicas similares a las del popular Sheldon Cooper de la serie The Big Bang Theory, y los problemas familiares y afectivos de los demás personajes siguen caminos demasiado transitados como para emocionar al espectador.

Casi leyendas es un film amable y que se ve con una sonrisa, pero que tarda demasiado tiempo en arrancar y acaba con brusquedad.

Como esta reseña.

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Sinopsis

Tres amigos distanciados se verán obligados a reunirse, aunque sin demasiado entusiasmo. Hace 25 años formaron un grupo musical que estuvo a punto de ser famoso. Les espera un doble reto: ser la banda que soñaron y solucionar sus calamitosas vidas.    

Han pasado 25 años desde que Axel (Santiago Segura), Javier (Diego Peretti) y Lucas (Diego Torres) perdieron el contacto tras la disolución de la banda de música que formaron cuando eran adolescentes. Ahora, Axel, un solitario hombre con síndrome de Asperger, decide que es buena idea volver a juntar la banda y para ello amaña los resultados de un concurso que pretende rescatar bandas míticas de los ochenta y noventa.

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Javier es profesor de geografía en un colegio de secundaria. Acaba de enviudar y tiene un hijo de 13 años que se siente cada vez más decepcionado con él. Por su parte, Lucas, recientemente divorciado, acaba de perder su empleo como visitador médico. A raíz de una serie de eventos azarosos, situaciones ridículas y mucho humor, los tres protagonistas terminan recuperando aquellas cosas que perdieron por el camino con el correr de los años.

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © A Contracorriente. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Wed, 03 May 2017 22:32:36 +0000
Crítica: "La excepción a la regla" ("Rules Don't Apply", Warren Beatty, 2016) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-la-excepcion-a-la-regla-rules-don-t-apply-warren-beatty-2016.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-la-excepcion-a-la-regla-rules-don-t-apply-warren-beatty-2016.html Crítica:

Warren Beatty, esa especie de Guadiana cinematográfico que desaparece durante largas temporadas y vuelve a asomarse en Hollywood con algún proyecto inesperado, se pone de nuevo a ambos lados de la cámara (encargándose también del guión) con este inclasificable drama (¿cómico?) que transcurre en la órbita laboral del extravagante magnate-ingeniero-piloto-chalado Howard Hughes, papel que se reserva el propio Beatty.

A pesar de ser un papel-bombón que el protagonista de Bonnie y Clyde degusta sin vergüenza alguna y sin miedo al exceso, lo cierto es que Hughes es un personaje secundario en este film, o más bien, comienza siendo secundario, ya que va quitando progresivamente el protagonismo a los dos jóvenes personajes que, en principio, son los héroes de la historia: un ambicioso chófer y una aspirante a actriz y cantante, ambos a sueldo del multimillonario, a quien nunca han visto y a quien consideran como una especie de dios viviente.

Los dos jóvenes, destinados a amarse, se definen no sólo por sus aspiraciones, sino también por la represión sexual a la que están sometidos por diversas causas, principalmente religiosas y profesionales.

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Salvando kilométricas distancias, el viaje de la virginal muchacha interpretada por Lily Collins, inmersa en el pecador mundo hollywoodiense, podría recordar la pesadillesca The Neon Demon (Nicolas Winding Refn, 2016), aunque en el caso de la película de Beatty, el romance y las decepciones de la protagonista son aptos para todos los públicos y sensibilidades.

El encanto ingenuo de Lily Collins no es el único acierto dentro de una astuta selección de actores, que incluye al versátil Alden Ehrenreich como chófer lleno de energía contenida. En realidad, el elenco es todo un desfile de veteranos: Matthew Broderick, Candice Bergen (Murphy Brown), Annette Bening (obviamente), Martin Sheen, Ed Harris, Alec Baldwin, Oliver Platt o Paul Sorvino, entre otros. Algunos intervienen en poco más que cameos, pero ahí están.

Además de un argumento que va tomando rumbos algo caprichosos, el film tiene el lastre de volver a retratar un personaje al que ya hemos visto en otras ocasiones. Sin duda, Howard Hughes es más interesante que Steve Jobs, cuya tediosa vida nos ha sido contada en un par de películas, pero también es cierto que todavía tenemos relativamente reciente El aviador (Martin Scorsese, 2004) y las comparaciones son inevitables. En todo caso, La excepción a la regla es, fundamentalmente, un film destinado a los fans de Beatty y a los fetichistas de los últimos días del Hollywood más glamouroso.

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Sinopsis

Una aspirante y joven actriz (Lily Collins) y su ambicioso y joven chófer (Alden Ehrenreich) luchan con esperanza bajo las absurdas excentricidades del feroz e impredecible millonario Howard Hughes (Warren Beatty), el hombre para el que trabajan.

Hollywood, 1958. Marla Mabrey (Collins), una compositora, devota baptista y reina de la belleza de su pequeña ciudad, llega a Los Ángeles para trabajar para el infame Howard Hughes (Beatty). En el aeropuerto, conoce a su chófer, Frank Forbes (Ehrenreich), un metodista de profundas creencias religiosas, que está comprometido con su amor del instituto.

Su atracción instantánea no sólo pone a prueba sus creencias religiosas, sino que desafía la regla número 1 de Hughes: está prohibido que sus empleados mantengan cualquier tipo de relación con las actrices que trabajan para él. El comportamiento de Hughes se cruza con Marla y Frank de modos muy distintos e inesperados. A medida que van entrando en ese mundo extraño, sus valores se ven cuestionados y sus vidas cambian por completo.

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La inusual comedia ofrece una ventana al surrealista reino de Howard Hughes, el multimillonario magnate del cine, afamado aviador y legendario excéntrico, que fue tanto una autoridad reguladora para muchas jóvenes estrellas como un infractor de las reglas que desafió las costumbres sociales y los códigos morales restrictivos de la industria. Los elementos de la vida real de Hughes se entrelazan en una historia cómica ficticia, que explora el panorama cambiante de las mujeres, el significado del amor y el poder transformador de la redención y la familia.

 En 1958 Hollywood estaba en la cúspide del cambio. Los principales estudios estaban empezando a ver el declive del poder global cuando las compañías independientes dirigidas por artistas empezaron a surgir. Al mismo tiempo, el cerrado sistema de estudios, que mantenía a sus cuidadosamente refinados ídolos con contratos herméticos, pronto llegaría a su fin. Y las películas populares de entonces empezarían pronto a dejar de reflejar los valores conservadores de los años 50 para dar paso a las agitadas revoluciones sexuales, políticas y sociales de los 60.

1958 también fue el año en el que un joven Warren Beatty empezó su carrera. Criado en Virginia en el seno de una familia baptista, llegó a Hollywood en 1958 y debutó en el cine en 1961 con Natalie Wood en la película de Elia Kazan Esplendor en la hierba, la historia de las consecuencias de la represión sexual de dos jóvenes enamorados. La película fue el presagio de una nueva era en el cine, que cuestiona todas las reglas sociales: el amor, la familia, la industria, la religión, la guerra y la política hasta llegar a lo que hace que una vida tenga sentido.

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Beatty se convirtió en uno de los principales directores de cine de Estados Unidos ganadores de un Oscar. Ha sido nominado a 14 premios Oscar y ganó el Thalberg Award, entre muchos otros premios. "En las películas de Warren siempre hay un sentido melancólico mezclado con un toque de humor, sin importar el tema sobre el que escriba", apunta su mujer y dos veces protagonista de una película suya, Annette Bening. "Da igual que haga una película sobre Hollywood, política o costumbres sociales".

Bonnie & Clyde (1967) usó las hazañas de los forajidos de la época de la Depresión para explorar la creación de rebeldes antihéroes, y es considerada una de las primeras películas de la época del Nuevo Hollywood. Shampoo (1975) muestra una visión de la atmósfera durante la elección de Nixon en 1968 a través de las correrías de un peluquero de Beverly Hills y sus clientes adinerados. El cielo puede esperar (1978), adaptación del clásico de 1941 El difunto protesta, es una comedia que trata no sólo del amor, el fútbol y los errores celestiales, sino también sobre la creciente corporatización de finales de los 70 en Estados Unidos.

Rojos (1981) cuenta la historia real del periodista John Reed durante la Revolución rusa, el romance que mantuvo y su participación en el ascenso de la izquierda en Estados Unidos. Dick Tracy (1990) redefinió el género de los cómics al dar vida al famoso detective. Bugsy (1991), la historia real del gánster que creó Las Vegas, reveló las contradicciones internas del gran estafador americano. La profética Bulworth (1998) convirtió la campaña política de 1996 en la historia de un franco senador americano que se convierte en una sensación popular en un marco satírico en temas de globalización, raza, medios de comunicación y el coste del sistema político roto.

Después de tomarse un descanso para formar una familia, Beatty regresa con La excepción a la regla, una película que ha tenido en lo más profundo de su mente durante muchos años, que refleja la propia educación de Beatty y su llegada a Hollywood en una época de cambio social.

Beatty admite haber pasado grandes momentos con Hughes: "Podía hacer lo que quisiera, pero había un cierto nivel de puritanismo que nunca llegó a alcanzar". Pero ideó una historia que utilizó el misterio y el impacto de Hughes a la vez que evitaba contar la vida del magnate. "No escribí una película biográfica de Howard Hughes en absoluto", explica Beatty. "Es más una historia de amor entre dos jóvenes de 1958 que trabajan para Hughes; una historia de amor que explora las consecuencias, a veces cómicas y a veces tristes, del puritanismo americano de finales de los 50 y principios de los 60, cuando yo llegué a Hollywood".

Beatty comenta: "La historia del propio Howard Hughes tiene una inevitable trayectoria descendente. A mí me interesaba más contar la historia de dos personas que, como yo mismo, llegaron a Hollywood en la época de Hughes y se enamoraron cuando las reglas jugaban en su contra".

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Regency Enterprises, RatPac Entertainment, Worldview Entertainment, Considered Entertainment, Robson Orr Entertainment, Shangri-La Entertainment, Fiore Group, Demarest Films, Windsor Media, Tatira, 20th Century Fox. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Thu, 27 Apr 2017 22:07:03 +0000
Crítica: "Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier" ("Voyage à travers le cinéma français", 2016) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-las-peliculas-de-mi-vida-por-bertrand-tavernier-voyage-a-travers-le-cinema-francais-2016.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-las-peliculas-de-mi-vida-por-bertrand-tavernier-voyage-a-travers-le-cinema-francais-2016.html Crítica:

El título original de este documental (Viaje a través del cine francés) resulta menos ambiguo que el español, ya que el célebre cineasta galo limita su análisis y sus elogios a las películas de la cinematografía francesa que más le han marcado, ya sea como espectador, como crítico o como colaborador en algunas de ellas.

Conviene señalar que este largo documental (más de tres horas) es la primera parte de una anunciada serie televisiva, con lo cual no se abarca todo el cine francés, quedando “para otro momento”, por ejemplo, el indispensable François Truffaut, de quien se habla de manera fugaz y tangencial.

Siguiendo el modelo de dos soberbios documentales de Martin ScorseseUn viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano (1995) y Mi viaje a Italia (1999)‒, Tavernier, al igual que su colega neoyorquino, demuestra no sólo ser uno de los grandes directores de su país, sino también todo un historiador y crítico de cine, dispuesto a analizar las grandezas de sus películas favoritas tanto desde el plano técnico como desde una perspectiva personal y emocional.

Resulta gratificante ver a toda una institución ‒Tavernier es ya un hombre de venerable edad‒ comentar películas ajenas desde la pasión y la admiración, con la energía de un jovenzuelo que esté descubriendo las delicias del Séptimo Arte.

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Además de los testimonios personales y de los doctos comentarios del director de Capitán Conan, el documental está repleto de valioso material, en especial escenas de todas las películas de las que se habla (con aspecto de haber sido restauradas a la mejor calidad), pero también fotos, curiosidades y hasta algún audio: por ejemplo, una épica bronca de Jean-Paul Belmondo a Jean-Pierre Melville.

El director de El silencio de un hombre ocupa una buena parte del metraje, pero no es la única figua de importancia a la que Tavernier rinde tributo. Más que seguir un orden cronológico, el cineasta habla de directores, actores o músicos a medida que fue descubriendo su obra (o a ellos, personalmente) a lo largo de su vida.

Así, Tavernier nos hace conocer más a fondo la personalidad y la obra de realizadores como Jacques Becker, Jean Renoir o Claude Sautet. También nos acerca al trabajo de intérpretes como Jean Gabin o Eddie Constantine, y tiene un recuerdo para los compositores Maurice Jaubert y Joseph Kosma, entre otras muchas personalidades del cine francés.

El componente didáctico de este largometraje es tal que a uno le dan ganas de tener una libreta a mano e ir apuntando nombres y títulos, y se hace casi imprescindible para cualquier cinéfilo o estudiante de Imagen. En definitiva. este es un documental sobre el cine y el amor al cine que, pese a su duración, se pasa volando.

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Declaraciones de Bertrand Tavernier

"Es difícil hablar de cómo se elaboró esta película, de cómo fue gradualmente iluminada, de cómo tomó esta forma y no otra, y adquirió su propia vida mientras reflexionábamos sobre fragmentos, problemas gramaticales, cuestiones de derechos (que me obligaron a explorar nuevas rutas, y propiciaron numerosas reescrituras). Pero, ¿debo ser yo quien escriba eso? ¿O ha de hacerlo alguien como Emmanuelle Sterpin (ayudante del director e investigador), o como Guy Lecorne (montador), que pueden atestiguar nuestra falta de prejuicios, y nuestra franca sinceridad?

Exploré, rebusqué, descubrí, y dejé que las películas y los cineastas se impusieran, encontraran su propio espacio... Un nombre llevó a otro. Carné conjuró a Jaubert, y Renoir a Kosma. Sí, obviamente sabía que iba a declarar mi admiración por Renoir, Becker y Gabin, pero de repente, mi amigo Edmond T. Gréville apareció, y también lo hizo Jean Sacha. Y luego esa película de Grangier, con su extraordinario relampagueo autobiográfico.

Se demostró así que, con cineastas tan diferentes, todavía encontramos la misma pasión, el mismo deseo de experimentar, el mismo respeto al público y el mismo deseo de tratarlos como adultos. Reaccioné así como cineasta a lo que me concierne en películas de autores muy diferentes, evocando la profundidad de un encuadre de Renoir, la forma en que Carné se apropia de una espléndida idea dramatúrgica de Trauner, o la influencia de Welles en Jean Sacha.

Puedo identificarme con la estupefacción de Greville ante las demandas de un actor (para interpretar a un lisiado sin piernas), que podría perturbar todo el rodaje. En definitiva, quiero que esto sea animado y divertido, para despertar el deseo de ver cientos de películas de nuevo. Quiero mostrar la intransigencia que encontramos en cineastas muy diferentes entre sí: Carné en Le jour se lève (1939), pero también el Delannoy de Macao, l'enfer du jeu (1942) y de Le garçon sauvage (1951), sin olvidar ciertos encuadres de Este hombre es peligroso (1953), de Jean Sacha.

Quiero transmitir un sentido de la veracidad creativa que existía en el número 9 de la calle Kepler. Me relacioné allí durante más de tres años con Varda, Demy, Godard, Chabrol, Schoendoerffer, Rozier... He querido esbozar un retrato de Melville, que junto a Claude Sautet fue mi padrino en el cine. De Melville y de los estudios en la calle Jenner. Bienaventurados los que descubrieron el cine en esos estudios.

Recuerdo que yo estaba en el set en el Studio Jenner. El espacio estaba completamente vacío, a excepción de aquellas enormes ampliaciones fotográficas de las fachadas americanas que iban a ser utilizadas como la vista desde las ventanas de El confidente (1963). Y frente a esos edificios, Jean-Pierre Melville y yo hablamos de Cocteau, y todavía puedo oír aquello que me dijo: "Cocteau era, ante todo, lo que debería ser todo creador francés: un embajador francés en Francia". Una magnífica declaración que me gustaría utilizar en Las películas de mi vida, este ejercicio de admiración y de gratitud. Y es que, como dijo una vez Víctor Hugo, en la admiración hay un punto indefinible de consuelo".

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y declaraciones de Tavernier (Traducción de Guzmán Urrero) © Gaumont, Sherlock Films. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Thu, 27 Apr 2017 22:03:58 +0000
Crítica: "Stefan Zweig: Adiós a Europa" (Maria Schrader, 2016) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-stefan-zweig-adios-a-europa-maria-schrader-2016.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-stefan-zweig-adios-a-europa-maria-schrader-2016.html Crítica:

Narrada por medio de capítulos, generalmente compuestos por una larga y única secuencia, esta película nos muestra momentos de los últimos años en la vida del célebre ensayista, biógrafo y escritor Stefan Zweig (Viena, 1881 - Petrópolis, Brasil, 1942), refugiado en el continente americano mientras que su Austria natal está ocupada por monstruos que quieren acabar con él, tanto por ser judío como por ser intelectual.

El film funciona como drama humano acerca de los sentimientos de Zweig (que resultarán especialmente interesantes para sus admiradores), y asimismo como reflexión acerca de candentes temas de actualidad.

En el momento de escribir estas líneas, el sueño de Europa se tambalea a causa del resurgimiento de las políticas extremistas: el “Brexit” ya es una realidad, resurgen las organizaciones neonazis, los ultras sacan ventaja en las elecciones de distintos países, y en general, los radicales de diestra y siniestra, todos ellos nostálgicos de los viejos totalitarismos, claman por la disolución de la Unión Europea. Por otro lado, el drama de los refugiados y la xenofobia virulenta están a la orden del día en todos los continentes.

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En esta película, Zweig (Josef Hader) vive en una constante angustia por haber perdido su patria, pero también por el sentimiento de culpa por haberse salvado mientras otros sufren allí. Sufre por no poder hacer lo suficiente por ellos y porque le pidan que haga más de lo que puede hacer. Le parece inútil predicar a conversos sobre los males del nazismo desde la seguridad de la distancia, y teme que ese Mal no vaya a acabar nunca y le termine alcanzando.

¿Se puede cambiar el mundo desde el campo de las letras? ¿Qué línea separa a un escritor comprometido de un político? He aquí una interesante pregunta lanzada en la película por el escritor Emil Ludwig (Charly Hübner)

El film nos muestra a un Stefan Zweig que se mueve entre el pesimismo ante el avance del nazismo y cierto optimismo ante un futuro mundo interracial y multicultural, del cual ve un avance en el país que le sirve de refugio, Brasil.

El actor Josef Hader transmite a la perfección esa genuina admiración hacia Brasil, pero también el cansancio y tristeza de un hombre que ve la luz al final del túnel, pero que ya no tiene las fuerzas necesarias para atravesar el oscuro pasaje.

La directora y coguionista Maria Schrader nos propone una película basada en el trabajo de sus excelentes actores, y con una fuerte carga de diálogo ‒en diversos idiomas‒, pero también abre y cierra el largometraje con dos excelentes planos secuencia. Con estos últimos, Schrader demuestra las posibilidades narrativas que puede tener un plano fijo, sin el mínimo movimiento de cámara, cuando se realiza con astucia.

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Sinopsis

Río de Janeiro, Agosto de 1936. Stefan Zweig (Josef Hader) es recibido en el exclusivo Jockey Club por la alta sociedad brasileña con todos los honores, como si fuera un estadista. El austriaco de 54 años es un escritor con prestigio mundial y junto con Thomas Mann, el escritor de lengua alemana más leído. De hecho, a la lectura pública de la velada anterior habían asistido más de 2.000 personas.

El Ministro de Asuntos Exteriores brasileño, Macedo Soarez (Virgilio Castelo) presenta al famoso invitado a los notables del país. Los reunidos se agrupan alrededor de una enorme mesa cuya exuberante decoración de flores tropicales quiere ofrecer al autor europeo en un solo vistazo toda la variedad y belleza de Brasil. Pero además del exotismo seductor del país y de sus habitantes y del extraordinario recibimiento que está viviendo desde su llegada hace tres días, Stefan Zweig percibe una impresión aún más fuerte que le motiva a un discurso: él, que por su condición de judío ya no puede publicar en la Alemania nacionalsocialista y que desde 1934 vive en Londres un exilio temporal, se siente sobrecogido por una sociedad que al parecer ha logrado la convivencia pacífica de distintas razas y diversos colores de piel: Brasil, un país del futuro, es un ejemplo para el resto del mundo. Y a partir de ese momento, para Zweig estará unido para siempre a su esperanza personal de encontrar un nuevo hogar.

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © X Filme Creative Pool, Idéale Audience, Maha Productions, Dor Film, BR, WDR, ARTE, Arte France Cinéma y ORF. Cortesía de Caramel Films. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Fri, 21 Apr 2017 13:04:28 +0000
Crítica "Life (Vida)" (Daniel Espinosa, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-life-vida-daniel-espinosa-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-life-vida-daniel-espinosa-2017.html Crítica

En El terror del más allá (Edward L. Cahn, 1958), una criatura alienígena se colaba en una nave espacial terrestre e iba acabando uno a uno con sus tripulantes. Este mismo argumento (cambiando la nave por la Estación Espacial Internacional) es el de Life, si bien, claro está, la principal influencia del film es el mil veces imitado clásico Alien: el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979).

Al ver Life, uno no puede evitar imaginarse la reunión de ejecutivos en la que se concibió la película, con algún listillo diciendo: “Hagamos una mezcla de Gravity y Alien”. Ya el propio título de la película está escrito en una tipografía que recuerda bastante a la del célebre film de Scott, y el resto de Life sigue por ese camino de la falta de originalidad y la desgana.

Sin ser una mala película, Life es como la mayoría del cine comercial actual: mediocre, aburrido y sin un sólo momento destacado o memorable. Life sigue una fórmula sin aportar absolutamente nada nuevo o llamativo, ni en la forma ni en el fondo. Ni siquiera llega a ser tan horrible como para recordarla por eso.

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En esta ocasión, el monstruo (llamado Calvin) es una suerte de ameba tentacular tan inteligente que es capaz de usar herramientas cuando los guionistas lo consideran oportuno, comportándose como un “bicho estándar” en otras ocasiones. Sus astutos movimientos en ocasiones recuerdan a aquellas simpáticas y danzarinas criaturas del exitoso remake Flubber (Les Mayfield, 1997).

En cuanto a los humanos, tenemos un reparto multiétnico, formado por unos competentes actores que hacen lo que pueden con personajes no especialmente carismáticos, y que no van más allá del esbozo. Destacan, por fama, un agobiado Jake Gyllenhaal a la cabeza del plantel y Ryan Reynolds como secundario cómico, aunque quizá sea el astronauta japonés encarnado por Hiroyuki Sanada el que más empatía despierte en el espectador.

Al contrario de lo que sucedía en la estupenda The Martian (Ridley Scott, 2015), donde el protagonista echaba mano de sus conocimientos de ingeniería y botánica para salir de sus apuros espaciales, Life lanza un mensaje anti-ciencia que nos dice que no hay que investigar según qué asuntos. Pese a la presencia de científicos asesorando el proyecto, lo que nos transmite el argumento del film es ‒digámoslo así‒ que la curiosidad mató al gato.

En realidad, dicha moraleja prevalece más por pura inercia que por verdadera convicción, siguiendo la línea de las producciones de ciencia-ficción de los años 50.

Life es una de esas películas de relleno. Cabe seguirla sin dificultad mientras uno piensa en sus propios asuntos, y se olvida a la media hora de salir del cine.

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Sinopsis

La intención en Life (Vida) era crear un thriller de terror tan realista que pudiese ser un titular en la actualidad. "El guion tiene un gran grado de realismo y de tensión constante" dice Ryan Reynolds, protagonista junto a Jake Gyllenhaal y Rebecca Ferguson. La película vuelve a reunir a Reynolds con los guionistas de Deadpool, Rhett Reese y Paul Wernick, y con el director de El Invitado, Daniel Espinosa. "Empieza con un halo misterioso en el que poco a poco la tensión se adueña de la película a medida que descubrimos más sobre esa cosa que hemos introducido en la Estación Espacial Internacional". 

Antes de que le propusieran dirigir Life (Vida), Daniel Espinosa ya había estado pensando en las distintas maneras en las que sus ídolos del cine habían abordado el género de la ciencia ficción. "Creo que la razón por la que tantos buenos directores han probado con la ciencia ficción es para trabajar con lo desconocido – el miedo o la fascinación por lo desconocido" dice Espinosa. "Vivimos una vida bastante corriente, pero en el espacio te adentras en una aventura. No sabes cómo es, cómo se siente, cómo puede afectarte ni dónde está. No hay sonido. Eso es aterrador".

Después de leer el guion de Life (Vida), Espinosa encontró una manera de inspirarse en el trabajo de esos iconos del cine, pero aún así hacer una película que llevase su sello personal. "Este guion parecía ciencia ficción más realista, igual ciencia realista" dice mientras recalca que científicos han encontrado indicios de agua en Marte, miles de exoplanetas rotando alrededor de otras estrellas e incluso han despertado microbios de 50.000 años de antigüedad que han estado hibernando dentro de cristales.

"Encontrar vida en otros planetas es obviamente muy excitante y creemos poder estar muy cerca de ello" dice Paul Wernick, quien co-escribe la película con su pareja profesional Rhett Reese. "Creo que esos son los cimientos de la película".

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"Estamos yendo a Marte en búsqueda de otras formas de vida. Así que ¿qué pasa cuando realmente la encontremos? ¿Qué pasa cuando nos comuniquemos o interactuemos con ella?" Pregunta el productor Bonnie Curtis.

“De vez en cuando el ser humano intenta coger cosas preciosas y brillantes y darles forma a su antojo” dice Goldberg. “Pero esta forma de vida se siente amenazada y decide sobrevivir. Entonces cambian las tornas. Sólo porque podamos hacer algo no significa que debamos”.

Life (Vida) se diferencia por su compromiso por buscar un enfoque hacia la  ciencia real –no ficción– y ahí es donde los cineastas han puesto un mayor esfuerzo. "Lo que me gusta de esta película es que se mueve en el terreno de lo posible" dice la productora Julie Lynn. "Y hemos hecho un gran esfuerzo por mantenerla en el terreno de lo posible. Hemos hablado con biólogos, exobiólogos, Adam Rutherford... no queríamos que la forma de vida fuese una persona trajeada o una marioneta. Queríamos que fuese algo que pudiese evolucionar a partir de una célula minúscula. No es que haya salido con la intención de hacer daño, es su propia naturaleza y se ve afectada por lo que le va ocurriendo".

Life (Vida) ha sido un viaje de descubrimientos para los cineastas. Espinosa, los guionistas Rhett Reese y Paul Wernick, y los productores David Ellison, Dana Goldberg, Bonnie Curtis y Julie Lynn, estuvieron consultando con astrobiólogos, expertos en medicina espacial y otros muchos científicos. Pero no sólo para crear ese mundo realista en gravedad cero que es la Estación Espacial Internacional, si no para basarse en principios biológicos reales como inspiración para crear una criatura terrorífica.

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En su trabajo de investigación tuvieron dos asesores técnicos: el Dr. Kevin Fong y el Dr. Adam Rutherford.

“El espacio es extremo e inhóspito, igual de extremo que cualquiera de los entornos que hemos intentado conquistar en el s. XX; desiertos, polos, los picos más altos…” dice Fong, cuya formación como astrofísico y como médico fue de valor incalculable para la NASA en la Oficina de Adaptaciones Humanas y Contramedidas (Human Adaptations and Countermeasures Office) en el Johnson Space Center en Houston. “Desde el punto de vista médico, siempre que estás mirando la manera de proteger una vida humana en este entorno, te das cuenta de lo frágil que es. Y cuando encima añades una amenaza extra –como una forma de vida alienígena– todo se hace mucho más complicado" explica Fong. "Ya es bastante difícil mantenerse con vida ahí arriba en una misión rutinaria cuando todo va sobre ruedas. Así que cuando las cosas se empiezan a torcer la gente empieza a morir bastante rápido".

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El Dr. Rutherford es un genetista británico que ha publicado numerosos libros de referencia sobre la creación de la vida y el uso de modificaciones genéticas para crear nuevas formas de vida. “Cuando estás tratando con agentes u organismos desconocidos, posiblemente peligrosos e infecciosos, hay numerosos protocolos que se activan para prevenir una amenaza potencial” dice Rutherford. “Estos protocolos son especialmente rigurosos con la viruela o el Ébola. Son regulaciones especialmente estrictas controladas por grandes organizaciones como el Centro para el Control y Prevención de Enfermedades (CDC). En este caso se contiene en una incubadora, que está a su vez contenida en un laboratorio sellado, dentro de la Estación Espacial Internacional en órbita alrededor de la Tierra. Este parece ser un protocolo bastante coherente y seguro".

El objetivo de los cineastas era crear un nuevo tipo de criatura alienígena, con una apariencia no sólo ajena al ser humano, sino también nunca antes vista en cine. “Queríamos plasmar algo que realmente pudiese existir por ahí fuera” dice Espinosa. “No algo semejante a nosotros, sino algo realista”.

Espinosa encontró inspiración en formas de vida que no podían ser más modestas. Haciendo una tormenta de ideas sobre cómo podría ser la apariencia de la criatura, Espinosa se topó con el moho mucilaginoso o moho del fango. Hay pocos organismos menos amenazantes, pero su estructura celular única sirvió de inspiración. Mientras los seres humanos somos organismos pluricelulares con células especializadas (neuronas, sanguíneas, pulmonares, etc.), el moho del fango se compone de células individuales que trabajan juntas como una unidad. “Cuando vi un vídeo del moho del fango fue como la expresión de algo nuevo” dice Espinosa.

“En un determinado momento de su ciclo vital todas la células individuales se juntan y forman unas estructuras tridimensionales increíbles que recuerdan a un hongo” explica el genetista Adam Rutherford. Algunas células individuales hasta se sacrifican para ayudar al colectivo a reproducirse.

“Pensé que esto era algo muy interesante” continua Espinosa. “Es biológico pero tiene un tipo de consistencia muy particular”.

Con estos mohos como inspiración, los cineastas adaptaron la idea para crear un ser consciente. Y al igual que los mohos del fango, esta forma de vida mantiene sus células individuales trabajando juntas. “Es una criatura metamórfica que se adapta al entorno” explica Jonas ‘Ziggy’ Rassmuson, gran amigo de Espinosa. Ziggy es un grafitero sueco y creador del concepto y diseño de Calvin.

Con el germen de la idea y el diseño de Ziggy, Espinosa buscó el consejo de Rutherford, momento que acabaría siendo crucial en el proceso. “Expliqué la combinación de rasgos que pensábamos que la forma de vida tendría y entonces les dejamos pensar” dice Espinosa. “Y si encontrásemos una sola célula, ¿cómo se desarrollaría? ¿Cómo de grande se haría? ¿Qué limitaciones tendría? ¿O no tendría limitaciones? ¿Cómo se puede crear una criatura que ha tenido un tipo de evolución diferente? Así que fueron los propios científicos los que nos guiaron en vez de nosotros intentar convencerles”.

Aun así, el rigor científico no riñe con el miedo escalofriante. La forma de vida acaba siendo muy adaptable y resistente. Crece y se hace más fuerte e inteligente. “Queríamos que el espectador lo viese como algo plausible y terrorífico al mismo tiempo” añade Rutherford. “Queríamos crear un alienígena que nadie hubiese visto nunca y queríamos que fuese científicamente interesante al mismo tiempo”.

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Skydance Media, Columbia Pictures. Cortesía de Sony Pictures Releasing de España. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Mon, 03 Apr 2017 16:36:50 +0000
Crítica: "Power Rangers" (Dean Israelite, 2017) http://thecult.es/critica-de-cine/critica-power-rangers-dean-israelite-2017.html http://thecult.es/critica-de-cine/critica-power-rangers-dean-israelite-2017.html Crítica:

Son los miembros de la generación llamada millennial los que han de juzgar con propiedad esta película, que actualiza uno de los shows más populares entre los que eran niños en los años 90.

Quien escribe estas líneas ya era adolescente en esos tiempos, y fue un espectador casual de la serie, no un verdadero seguidor. Básicamente, aquella producción de 1993 era un ejercicio de caradura al estilo Roger Corman, en el que se intercalaban escenas de una serie japonesa de ciencia-ficción, Super Sentai, posiblemente comprada a precio de saldo, con momentos protagonizados por desconocidos actores anglosajones, grabados como relleno y nexo entre combate y combate.

Power Rangers (también conocida como Mighty Morphin Power Rangers), a pesar de sus obvias carencias, triunfó rotundamente entre los críos por ofrecer artes marciales, robots y monstruos gigantes al viejo estilo nipón, sin ningún tipo de vergüenza ni excesivos filtros dramáticos, y con un entusiasmo potenciado por un energético tema musical guitarrero, tan icónico como puede serlo el de aquel Batman de los años 60.

Lo más divertido de la serie eran las locas secuencias japonesas. El relleno occidental, a pesar de contar con alguna que otra pelea vistosa de artes marciales, solía estar formado por insípidas historietas de instituto, con la inclusión “cómica” de unos enervantes abusones muy tontos, que siempre acababan mal.

Aprovechando la moda, Power Rangers tuvo una adaptación cinematográfica en 1995, dirigida por Bryan Spicer y con los mismos actores protagonistas. Aunque en esta ocasión prescindía de escenas importadas, seguía apostando por la acción y la diversión infantil.

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Ahora, los niños que disfrutaron por entonces ya son adultos, y para ellos llega esta adaptación cinematográfica en la que los Power Rangers, como tal, tardan más de hora y media en aparecer. Porque, ya se sabe, la principal tarea del cine de entretenimiento actual es no divertir.

Si las escenas con actores occidentales eran lo más tedioso de la serie, casi un precio a pagar por ver a los héroes pilotar sus robots zord y pelear contra absurdos kaiju, la mayor parte de esta nueva película trata sobre la vida y los problemas de los chavales antes de convertirse en los coloridos superhéroes.

El director Dean Israelite, responsable de Project Almanac (2015), esa especie de versión al estilo Michael Bay de Chronicle (Josh Trank, 2012), vuelve a tomar prestadas ideas e imágenes de aquella película para este Power Rangers, protagonizado por los marginados del instituto (eso sí, unos marginados muy guapos y molones).

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Max Landis, guionista de Chronicle y autor de uno de los primeros borradores (presuntamente desechado) de Power Rangers, ha hecho notar el saqueo de su obra, y no es para menos. De todos modos, la carga dramática (de hecho, trágica) de Chronicle no está presente en esta película, en la que los conflictos de los adolescentes no van mucho más allá del clásico “nadie me entiende” y algunos diálogos reciclados de El club de los cinco (John Hughes, 1985).

En el papel del alienígena mentor de los Power Rangers, Zordon, tenemos a un Bryan Cranston calvo y algo gruñón obsesionado con un cristal y aficionado a echar la bronca a los chavales por no estar a la altura. ¿Un guiño a Breaking Bad? Muy posiblemente.

Como la villana Rita Repulsa, Elizabeth Banks se convierte en lo mejor de la película gracias a su desagradable caracterización y sus modos dementes.

Después de más de 90 minutos de metraje, un tercer acto nos trae a los Power Rangers en todo su esplendor, en plena batalla. La refriega presenta ese confuso estilo visual de las películas de Transformers (de hecho, hasta hay una referencia directa a esa franquicia), con abundancia de poco creíbles muñequitos digitales y todo presentado mediante un montaje desorientador.

Esta película es un perfecto ejemplo del cine-espectáculo actual, que escasea en espectáculo y diversión, pero al parecer es del agrado de un público de hoy, que destaca por su nula exigencia.

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Sinopsis

Cinco adolescentes corrientes deben convertirse en algo extraordinario cuando descubren que su pueblo, Angel Grove, así como todo el mundo, está al borde de la aniquilación a manos de una amenaza alienígena. Elegidos por el destino, nuestros héroes no tardarán en descubrir que son los únicos que pueden salvar el planeta. Pero, para lograrlo, tendrán que superar sus propios problemas personales y trabajar en equipo como los Power Rangers, antes de que sea demasiado tarde.

Basada en la leyenda eternamente popular de los Mighty Morphin Power Rangers, llega la divertida crónica moderna y llena de acción de cómo el famoso equipo de colores de guerreros adolescentes pasó por primera vez de ser una pandilla de marginados de un pueblo a convertirse en un equipo unido de poderosos superhéroes. Esta es la historia repleta de diversión de cómo el quinteto obtuvo no solo sus poderes alienígenas, sino también los lazos reales e irrompibles que los unen, y los convierten en la única e insólita esperanza de salvar su pueblo, y el propio planeta, de una imparable fuerza maligna que lleva al acecho 65 millones de años.

La historia reinventada de Power Rangers llega a la gran pantalla a una escala emocionante que intensifica la acción, los efectos y el diseño creativo. Un reparto de rostros nuevos y jóvenes de todo el mundo se une a Bill Hader, Bryan Cranston y Elizabeth Banks en una aventura constante que pone a prueba a unos adolescentes corrientes en la situación más extraordinaria imaginable: trascender una olla a presión de ciberacoso, alienación, presión social y problemas familiares propia del siglo XXI, para convertirse nada menos que en la única esperanza de supervivencia de la humanidad.

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El adictivo atractivo de los Power Rangers lleva décadas transformándose. Se inició originalmente en Japón, con la serie de acción real de estética encantadoramente kitsch conocida como Super Sentai, que ha mezclado desde 1975 efectos especiales espectaculares con acción cómica mientras sigue a un equipo perennemente cambiante de cinco héroes de vivos colores, que se enfrentan a un disparatado surtido de monstruos con armas de otro mundo. Cada temporada de Super Sentai contaba con un equipo distinto de héroes. Pero fue en 1984, mientras se encontraba en Japón por negocios, cuando el productor de televisión Haim Saban no pudo evitar engancharse a la temporada 16 de la serie, que contaba con unos Dino Rangers adolescentes, que deben recurrir a su poder para enfrentarse a una bruja antigua.

"Estaba viendo a esos cinco chicos vestidos de licra, enfrentándose a monstruos de caucho y me quedé prendado", recuerda Saban. No tardaría en averiguar quién tenía los derechos y hacerse con ellos para su emisión en el resto del mundo, fuera de Asia.

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Así es como nacieron los Mighty Morphin Power Rangers, que se estrenaron en la televisión estadounidense en 1993. La serie trasladaba la acción al pueblo ficticio de Angel Grove, California, donde cinco "adolescentes con actitud", cada uno con sus propios colores y poderes, son elegidos para vencer a una hechicera extraterrestre. La serie contaba con una insólita mezcla de secuencias de acción desbordante extraídas de la serie japonesa, con escenas dramáticas filmadas en EE. UU., y no tardaría en establecer su propio tono desenfadado y su particular encanto. Algunos se mostraron escépticos de que pudiera funcionar en Norteamérica, pero los espectadores más jóvenes se quedaron absolutamente prendados, y esa pasión se extendió luego por todo el resto del mundo. Tal vez lo que ha hecho que la serie haya perdurado en tantas culturas es su idea subyacente: que los Power Rangers no solo se enfrentan a una pandilla de monstruos gigantescos y estrambóticos... sino que también aprenden lo que significa sentirse empoderado y por qué son más poderosos cuando trabajan juntos.

Mighty Morphin Power Rangers se convertiría rápidamente en el programa de la televisión infantil más visto de los Estados Unidos, en una franquicia de demoledor éxito y en un fenómeno global que sentó nuevos precedentes.

'Mighty Morphin Power Rangers fue una de las primeras series de superhéroes multiétnica y también una de las primeras en contar con superheroínas", señala Saban. "Consiguió verdaderamente conectar con el público y, desde entonces, se ha emitido en más de 150 países".

Copyright del artículo © Vicente Díaz. Reservados todos los derechos.

Copyright de imágenes y sinopsis © Lionsgate Films, Temple Hill Entertainment. Cortesía de eOne Films Spain. Reservados todos los derechos.

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correo@thecult.es (Vicente Díaz) Critica de cine Mon, 03 Apr 2017 16:32:31 +0000